The Process of Seeing: Vasco Manhiça’s Point of View
By: Erin M. Rice
21.7.2015
Vasco Manhiça’s newest body of work is a
product of two formative years since his last show in Maputo in 2013. After a
brief return to Germany, in 2014 he attended a residency program in Dakar
called Àsìkò (run by the Centre for Contemporary Art, Lagos), which had a
profound impact on his approach to art as an instrument of social critique.
Informed and inspired by the politically and critically charged practices of the
faculty that ran the Asiko program, Manhiça turned his practice in late 2014
away from painting to an extended period of intense reading and exploration of
the theorizations of Africanity and postcoloniality as they relate to the art
world. Early in 2015, Manhiça moved to Berlin, arguably Europe’s center for
contemporary art. He connected with a network of artists, several of whom also
come from Mozambique, and found amongst his contemporaries another rich source
of influence and inspiration, stronger, he says, than that which he draws from
the generations of artists that have come before him. This vibrant artist
community, the energy of the city of Berlin and the groundwork laid in 2014
combined to create a space and time of intense productivity, resulting in the
series of large-scale paintings that comprise Point of View.
The works in the new series are witness to
the personal growth of the artist’s last two years. They demonstrate in their
command of color, line, text and space a heightened confidence and
articulateness. Moving fluidly between the political and the personal, these
works can make specific cultural reference to Maputo or intimate relationships
as easily as they broach subjects of universal relevance. ‘Mural do Povo’, for
instance, references in the phrase my
love I do not love you the Mozambican people’s feelings towards the flawed
transit system of Mozambique’s capital city, while ‘Bitter Sweet Symphony’
alludes to love of a very different nature.
Works such as ‘Global North’ and ‘Cage Break’,
on the other hand, are infused with the experiences of an African living in
Europe projected through the loud piece of the mass media. In particular,
‘Global North’ addresses those who are subjected to pitiless international
migration policy as they seek a coveted visa to a country north of the
socio-economic divide. Recent years have posed numerous new challenges to
countries that border the Mediterranean including the Arab Spring uprisings,
the ensuing unrest in Egypt, Libya, and the spread of ISIS. One of the results
has been a drastic increase in migration from Africa to Europe, contributing to
the largest global population of displaced persons and refugees ever witnessed.
Tens of thousands of migrants seeking a better life in Europe have risked everything
crossing the treacherous sea routes from North Africa for the shores of Italy
and Greece but often are met with hostility, long internments in processing
centers, a lack of jobs and opportunities, or worst of all: death at sea.
Framed by an ominous arch of dark pigment,
the words “je suis” appear in ‘Cage Break’, making clear reference to the
catchphrase of solidarity that flooded social media after the shootings at the Paris
offices of political satirist magazine Charlie Hebdo. Missing is the “Charlie”
that completed the phrase, but in this absence is the implicit critique of the
phrase’s hypocrisy as Europe condemns the actions of the attackers, while it
simultaneously turns a blind eye to the plight of its immigrant populations.
The statement also holds open the possibility
and ambiguity of identity; je suis / I am
is, in the intentional absence of a noun, a very simple declaration of
existence, and the idea of identity as a process. This notion of process is
perhaps more appropriate for people like Manhiça, and the countless who have
followed the same trajectory before him, who have left their respective African
countries for the West (including personal influences such as Fela Kuti), and
in that act of leaving have found an affinity with their African identity,
while at the same time their life in a foreign land has re-shaped the very
notions of those foreign places, of home and of belonging. Upon return,
however, stereotypes of the person who left Africa cloud the realities of the
struggles he or she faced abroad. This
is the predicament of the artist returning home.
For Manhiça, painting is a method of
translating his experiences into a language that can be understood by those who
have not had the same opportunities as him to see his country from the
standpoint of someone who has left. Leaving Mozambique bestows a clarity, like
hindsight, that only comes in departure and dis/re-location such that new
viewpoints, free from the dominance of media, propaganda, or dogma can be
formed and expressed.
Vasco Manhiça’s latest works may be written
in the language of expatriation, but what they unfold is a narrative about the
journey of returning written for the people back home.
A sustainable tent that collects rainwater, folds up for easy transport and stores solar energy?
Sounds visionary, right? But this is the invention of Jordanian-Canadian architect, designer and artist Abeer Seikaly.
[IMAGE: Abeer Seikaly]
Seikaly designed
these amazing multipurpose tents with refugees in mind, people who have
been displaced by global and civil war, climate change and more.
Inspired
by elements of nature such as snake skin and traditional cultural
aspects such as weaving, nomadic life and tent dwellings, this weather
proof, strong but lightweight and mobile fabric tent gives refugees
shelter but also a chance to "weave their lives back together".
The
flexible dual layer tent structure has the ability to close out the
cold of winter and wet weather. It also opens up to allow cool air in
and hot air out in summer. Rainwater is collected in the top of the tent
and filters down the sides so the tent does not become flooded. The
tent also has the ability to become a showering facility with water
being stored in pockets on the side and drawn upwards via a
thermosiphoning system providing basic sanitation.
[IMAGE: Abeer Seikaly]
Solar energy hits the tent fabric and is stored in a battery for use at night providing renewable electricity.
[IMAGE: Abeer Seikaly]
For this amazing life changing structure, Seikaly has won the 2013 Lexus Design Award. These tents also would make excellent shelter for people who have been displaced by natural disasters.
A
simple but effective structure which has the potential to change so
many lives across the world by providing some of the basic human rights
to displaced people: a home, water and energy.
Sidy Diallo Points et Iténeraire 2 et 1,
2013.
Acrylic and Pastel on Canvas
Each: 200 x 150 cm.
From the 4 September to the 25 October 2014, Brundyn+ Gallery
hosted Sidy Diallo’s exhibition 'Points et Itineraires'. Sidy Diallo is
a painter from Senegal who works in a style that is inspired by
lithography, a medium characteristic of many African artists. The
exhibition is comprised of images that depict bridges and roads, whose
forms seem to implicitly contain the anonymity of transition, and within
Diallo's context they are further imbued with political connotations.
The way Diallo explores his interests within the medium has to do
with the scale of the work; he incorporates paint and other materials
like brown paper making the work multimedia in nature. In his style
however, he quotes the traditional use of lithography within an African
context which surrounds the issue of access – in this case the simple
access to materials like paints and brushes. This of course has broader
connotations.
Sidy Diallo Genese 2014,
Acrylic and Pastel on Canvas, Triptych: 133 x 133 cm each
Sidy Diallo distorts both the scale of the images and the canvas;
instead of the dots and working surface being small they have been
enlarged. In doing this Diallo maintains lithography’s sombre mystery,
while at the same time retaining a boldness that evokes within the
audience an immediate sense of nostalgia. Their difference, however,
also lies in the sense that the images represent the immediacy of the
contemporary discourse of forced migrations and exile. Here the large
dots add to this effect distorting the image, conveying the anonymity of
transition and the certainty of being identified as an exile,
referencing a discourse in which the Diaspora lies implicit.
The backgrounds of the paintings are also depicted with dots as if
the artist seeks to connect the figures to their circumstance. The large
dots and the scale of the work in relation to the traditional themes of
the lithograph are an attempt to depoliticize this state of affairs,
the effect has a vitality that is contradictory to the plight of these
embarcations as if now there is a freedom in them that only youth can
realize.
The exhibition explores the underlying reasons for crossing borders
in contemporary African society in the wake of phenomena like the slave
trade, the diaspora and human trafficking. Throughout the exhibition
there is the motif of the road or path, that connotes transitions which
both seek to inculcate a form of limbo as well as forms of connecting.
However, in the exhibition these paths or roads not only act as
metaphors for transition, they are also metaphors for the fact that
cultures are not informed by the progress of an encounter. In the case
of Diallo’s migrations this is an encounter with diversity, and as a
result they become, with the people who represent these cultures, barren
as the roads they use to migrate.
Sidy Diallo La Traversee
2014
Acrylic, pastel and paper on Canvas (4 panel painting)
270 x 270 cm
In Travel Masqued 3 – an acrylic, pastel and paper on
canvas piece – a large male figure is walking on a narrow path or road
with white hands and feet and appears to be contemplating or lamenting
previous migrations. Not only is he connected to those who took this
path in the past, he seems through his posture to physically appropriate
their struggle. Furthermore the small figures on the edge of the canvas
walking on another path, appear to be in an indeterminate state facing
different directions. Their presence and disorientation suggests that
the figure in the middle of the painting too is lamenting the strife or
plight of embarking on the path.
There is, it seems, an almost binary opposition contained within the exhibition. The work E & A
is a piece depicting two figures, one male painted brown and grey, the
other female painted cream with an apple on the ground. The work seems
to state that even though migrations are characterised by a lacking,
when a destination is found there are nevertheless fruits to reap, not
just in the encounter with diversity but also that the industry of
transition can be realized. If there is anything sinister it lies in the
treachery of the path, with its promise of fruit and sustenance, which
are replete with the ambiguity of an arrival that does not necessarily
mean success. However the other paintings in the exhibition are barren
of the idea of reward. What the artist seems to suggest is that at the
end of the path, an encounter with diversity and creativity is
inevitable, but this does not guarantee a holistic success as is
connoted by the bitten and discarded apple.
These ideas of success and frailty are brought together with presence of the bridge in the exhibition titled The Crossing.
It speaks and is a metaphor for the universal forms of economic
struggles, the discourse of innovation and the frailty of community
development that can enforce migrations and crossings. In this sense the
footbridge becomes the universal image of socio-economic frailty. It is
a traditional foot-bridge with ropes and foot planks, extended from one
end of the hall to the other – it effectively connects one painting to
another.
2 years
ago, I was blessed to be introduced by Barkinado
Bocoum to a group of young talented and creative artists in Dakar
who worked with me and young Brazilian artists during an exchange art project I
had initiated. One of these artists was a very kind spirited, creative and
promising young man named Sidy Diallo. Sidy was one of Senegal's rising Art
stars, as he was being invited to participate in international exhibits and
winning awards, notably at Dakar's last biennale. Like the rest of the group
(Sol d'Art), I considered Sidy like a young Brother, and it was with great
pleasure that I'd catch up with him every time I'd go to Senegal and see where
his creativity was taking him.
A few days ago, I learned that Sidy had passed away, and I am still in shock.
May his spirit guide the creative youth and souls of our World. I am in spirit
with his family and friends. Life is short and we must DO. We must MAKE. Sidy
MADE, and he will inspire us forever.
Peace and Beauty.
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Décès du plasticien Sidy Diallo :Le jeune peintre au «talent prometteur» est mort
Le
monde de la culture pleure encore un des leurs. Sidy Diallo, âgé de 28
ans est décédé samedi. Le «talentueux» lauréat du prix de l’Oif lors de
la dernière édition de la Biennale de l’art africain contemporain de
Dakar n’est plus. Selon la plateforme des arts visuels du Sénégal
présidé par Viyé Diba, Sidy Diallo était l’un des plus talentueux de sa
génération. Aujourd’hui, il a rejoint ses pères Pape Ibra Tall et Diatta
Seck dans le royaume de la vérité. Le jeune peintre s’était révélé au
monde des arts par son talent prometteur.
Major de sa promotion à l’école nationale des arts, avec une mention
bien en 2013, il est sélectionné dès sa sortie dans l’exposition
officielle de la onzième Biennale de Dakar. «Je me félicite de ce prix,
comme j’ai eu à le dire, je viens de sortir de l’école nationale des
arts. Aujourd’hui, je me retrouve sélectionné dans la plus grande
Biennale africaine, c’est une grande chose dont je suis fière et le
tout, je reçois le prix de l’organisation internationale de la
Francophonie (Oif)» exprimait-il avec joie à la fin de la cérémonie.
L’homme dont le travail consistait à apporter des réponses
contemporaines par rapport aux questions de développement contemporaines
qui affectent le continent africain est décédé la veille de son
anniversaire. Toute l’équipe de Walfnet présente à sa famille ses
sincères condoléances.
Tuira
Kayapo' is an indigenous Elder Mama Warrior who showed the world what
happens when women take charge of their power. She walked into the 1989
Altamira Gathering in Brasil against the construction of Dams in the
Xingu, in her war paint, naked and carrying a large machete. She then
walked up to the President of Brasil's Light holding Company Petrobras
and running the blade of her machete three times
over his cheeks, proclaimed his act on her people and on the entire
Amazon as an act of war. She then stated in Kayapo':
"You are a liar -
We do not need electricity. Electricity is not going to give us our
food. We need our rivers to flow freely: our future depends on it. We
need our jungles for hunting and gathering. We do not need your dam."
Everyone stood in absolute awe at her audacity, especially the
President of Petrobras who looked quite afraid...yet what I see in her
is a true example of what Mamas are capable of in their full Power.....
We have ALL become tired of this mess the world is in.... It is Time to
reclaim our Truth!! Don't play with our good hearts and
intentions...for I know... at least in my case.. I am Pure Love at all times, though my machete is not too far away from my reach.
***************
This
is to do with the flooding of her land in order to create electricity.
So in order to progress we have to destroy our nature and her people. This is so much more than just land rights, it is to do with life on earth.
What Tuira Kayapo' is saying, 'progress as much as you like or as much as you need but make sure I and my people can live as nature intended.'
We need to address this issue yesterday but this it the point of the underdevelopment of the world.
Here is a world renowned photographer, a symphony composer, a writer of 14 books, a poet and a film director - without any formal education Gordon Parks is most certainly a modern day Renaissance man and an inspiration to us all. His life covers the most exciting part of American history; that of the Civil Rights Movement of the 1950 and 60's and he plays a huge part in shaping that story. His compassion for others is so evident and his confidence allowed him to achieve an enormous amount in a life so well lived. Self belief, will power and charisma make an unstoppable combination.
Dramaturge
Arthur Miller, a écrit sa célèbre pièce d'un seul acte, « Incident à Vichy » en
1964, qui observe un groupe d'hommes détenus à Vichy, France. Les hommes sont
tous détenus dans une cellule de détention improvisé, en attente de l'inconnu.
Ce qu'ils sont détenus pour bientôt devient apparent, leur inspection « raciale
» par du Souss gendarmes Vichy et officiers de l'armée allemande pendant la
seconde guerre mondiale. La pièce dissèque la véritable nature des êtres
humains, en se concentrant sur ce qui a été fait dans la ville et facilité la
tyrannie et l'intimidation peuvent dominer la majorité faible. Les thèmes de
cette courte pièce de théâtre s'articulent autour des idées de culpabilité, de
peur et de complicité et examine comment les Nazis ont pu perpétrer
l'Holocauste avec si peu de résistance.
Avec ce trouble histoire à l'esprit,
d'entendre parler d'un homme congolais, Christian Miltoni, a mis en place un
établissement soutenant les artistes de l'Afrique au centre était tout à fait
remarquable. Je ne pouvais pas attendre de voir l'art et de découvrir de
nouvelles oeuvres des artistes francophones. La Galerie a ouvert que récemment
en janvier et s'appelle « Beaux Art ». Il s'agit d'un projet ambitieux et
l'emplacement est parfait ; en plein coeur de la France. Vichy possède une
histoire horrible, et il semble tout à fait approprié qu'un African Gallery
doit panser les plaies du passé que cet événement a été crucial. L'importance
de l'Afrique dans l'Art n'a pas encore être pleinement réalisés, mais les
œuvres ressemblent à des eaux de Vichy ; ils rajeunir, nous garder jeunes car
ils sont pleins d'approches philosophiques originales et inventives du sujet.
Cela nous rappelle fondamentalement de l'importance de l'Art.
Il était
intéressant de voir ceux sur les rues en tenant un tel intérêt dans le travail
de Emmanuel et se livrer à des idées que leurs parents auraient trouvé odieux.
Les Français sont une nation d'amateurs d'Art et c'est le seul aspect où course
n'a pas de barrière et les peintures étaient professionnels et personnels,
exposé avec une sensibilité qui est rarement vu dans le flux principal. Le
travail a telle force lorsque présentés ensemble et la puissance n'a pas
échappée à la population de Vichy. Il était clair que le travail était
authentiquement organiques et unique ouest-africain. Les toiles étaient remplis
de messages de mythologie et bêtes créatifs, connus et inconnus. C'était un
luxe pour voir tel un solo bien construit et organisé.
Two Faced
Nous
devons nous demander ce qui est de l'Art africain. Ce qui le rend différent de
l'Art européen ? Ce que devrions nous Rechercher ? Nous sommes parfaitement
conscients que les deux formes d'Art sont sérieusement mondes. Emmanuel est un
pionnier ici et à l'avant-garde en exploitant tout ce qui est bien dans son
environnement de creuser la terre à travailler, au tissage de bandes de coton
pour compenser ses toiles. Il travaille avec les teinturiers de professionnel
en cuir et s'intéresse à tous ceux qui font la couleur naturellement. Il ajoute
même des morceaux d'écorce pour créer la texture et profondeur montrant son
profond respect pour la nature. Il est réduit et se réduisant à rien ; femmes
enceintes de personne et uniquement sur ce qu'il peut trouver autour de lui. Il
s'agit de l'absolu polaire en face de le œuvre produite par des artistes dans
l'Ouest. Leurs œuvres sont plus produites, créés avec des budgets énormes et
construits sur une échelle qui éclipse mentalement le spectateur, laissant le
spectateur dans un état d'une fausse impression. Le travail est immense et
généralement ne laisse rien à l'imagination. Il est en plastique dans toutes
sortes de façons et dépourvu de nourrir l'esprit, alors il est grand temps pour
l'Afrique à lever et sortir de l'ombre et jouent un rôle essentiel dans notre
façon de penser de nos jours.
Métamorphose
Le samedi
4 juillet, je me suis rendu à Claremont par Ryan Air, qui est le pays de Volvic
et a ensuite pris un train jusqu'à Vichy, célèbre pour ses eaux pures qui est
considérés comme ayant des propriétés saines. Qui s'est tenue au centre était
une exposition en milieu de carrière de l'artiste togolais, Emmanuel Kavi.
Emmanuel travaille sur divers projets depuis le début des années 1990 et je
suis tombé sur son oeuvre à Ouagadougou, Burkina Faso, en 2003. J'avais gardé
contact avec Emmanuel mais uniquement via les médias sociaux, j'ai donc été
ravi de le rencontrer en personne. Son travail en 2003 a été animé, plein
d'espoir et de la vigueur, le type de travail qui peut être créé uniquement
dans le confort de l'Afrique. Heureusement, en octobre 2014, Emmanuel a pris la
décision de se baser en permanence au Togo et non en France. Il a rapidement
rétabli lui-même en se joignant à quatre autres artistes qui, ensemble,
travaillent dans un grand studio situé aux abords de la capitale, Lomé. Dans
June Emmanuel fièrement m'a invité en France pour voir ses nouvelles œuvres.
J'ai été ravie d'être posées et ravie de voir que ses œuvres ont été respirant
la même énergie vivace comme avant. Certainement l'un des favoris avec le
public Français a été cet ouvrage érotique intitulé « Métamorphose ».
La
Galerie a été emballée, l'art est partout ; affichées sur les murs, sur le sol,
sur les plateaux et Emmanuel avait rendu ces créatures humanoïdes qui était
assis tranquillement sur le rebord de la fenêtre à la vue pour les curieux
Français public. Il s'agissait d'expositions africaines plus complets que
j'avais vu au cours des années. Il a mis en évidence un artiste à son meilleur
et décrit ce que veut dire être en provenance d'un pays où il n'y a aucune des
écoles d'Art reconnues, des galeries ou des boutiques d'art même. Il est
fascinant d'observer les artistes avec aucun accès à des matériaux tels que ;
peintures, toiles, chevalets, pinceaux, alcools blancs et voir ce qui peut être
accompli avec le strict minimum. Sur les murs là où les peintures avec des
morceaux d'écorce, des noix de Kola concassée qui fait une profondeur
impressionnante bleu/violet, il y a preuve de sable et beaucoup de la richesse
du sol togolais familier. Dans la fenêtre de la Galerie a été le œuvre plus
audacieux que j'ai vu au cours des décennies. Africaine nue « Informel » qui
sort une toile. Composé de maille et de la terre rouge, trouvé à l'extérieur de
la ville à la campagne...
Dans la
fenêtre. Sous les yeux de tous les amateurs d'art Français passant - en plein
centre de la France. Vichy de tous les lieux... VICHY ? Ceux qui appellent ces
artistes comme, « de Artiste plasticen », ce qu'une phrase vulgaire,
typiquement français et essayant de leur mieux pour appuyer les artistes de
l'Afrique comme ils l'ont fait les auteurs avec l'expression « Nigritude » -
Artiste de Plasticen est une expression utilisée spécifiquement pour les
artistes africains et cela veut dire ceux que peinture, sculpter, créer des
céramiques, écriture poésie et même danse. Mais si vous deviez demander mais
Picasso n'était pas un « Artiste de Plasticen » ? La réponse que vous obtenez
est, "Non, période de Picasso est une grande Artiste. » Regardez ce que
Emmanuel a fait... l'émergente prêt africaine nue à conquérir le monde de
l'art. Qui peut avoir demandé pour en savoir plus ? Tout le spectacle était
plein de travail "BOLD", élégant et plein de fraîches nouvelles
visions venant de la francophones.
La danse du salon
Il m'a fallu des âges de comprendre, mais je commençais à faire les
raccordements et les liens vers la France de l'après-guerre, remontent à une
période exaltante in Art History ; « Art Informel » de la France dans les
années 1950. Cette période de changement de mer a donné naissance au mouvement
« Cobra » ; artistes de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam également le
mouvement abstrait dans toute l'Europe et avait des liens à l'école de New York
de l'expressionnisme abstrait aux USA. Étonnamment, cela va presque en
parallèle avec contemporaine francophone Afrique de l'ouest du moment présent.
Pour les artistes de devenir international ils devront inévitablement
développer un mouvement quelconque, et c'est impératif pour les africains en
général. Emmanuel et j'ai parlé de ce paradigme, et il est devenu évident que
les artistes avaient déjà inauguré un tel mouvement ; en fait, ils avaient
commencé dès le siècle dernier ; à la fin des années 1990. La plupart des
artistes sérieux travaillaient avec seulement l'essentiel, préférant rejeter
les techniques et les idéaux de l'Occident en faveur de faire avec ce qui était
disponible à partir de leur environnement immédiat. De cette façon les artistes
gracieusement accepté leur sort et a surmonté les pièges en étant créative
inventive. Le groupe n'avait pas vraiment vu eux-mêmes comme autre chose que
des artistes individuels, mais ils partagent la même vocation donc ensemble,
que Emmanuel et j'ai réglé sur la bien nommée phrase - "Afrique
Informel". En établissant ce mouvement les artistes seront assurés une
place dans l'histoire et aussi acquièrent les changements nécessaires
nécessaires pour être admis dans le monde de l'Art sans l'épouvantable contrôle
impérialiste d'une qualification Ouest inutile et indésirable. Le groupe a
évolué essentiellement d'une série de Français parlant des artistes
ouest-africains : Emmanuel Kavi, Kossi Ankude « Laka », Papisco Kudzi et Sokey
Edorh de Lome, Togo ; Soly Cissé et N'Dary Lo du Sénégal : Suzanne Ouedraogo et
Sama de Ouaga, Burkina Faso ; Ernest Duku de Côte d'Ivoire et Charly Almeida et
Romuald Hazoumé de Cotonou (Bénin). Tous ces artistes sont réduisant leurs
palettes et travaillant avec l'essentiel. Ils utilisent des teintures
naturelles comme des pigments, la terre rouge, des objets métalliques mis au
rebut pour les sculptures et même les écorces des arbres sur des toiles à la main
afin d'ajouter de la texture, mais je m'égare ; concentrons-nous dans sur le
travail à portée de main. Retour à la Galerie...
Atila
En
parcourant l'exposition l'art était presque insupportable et puis dans le dos
était une chambre de petite case, the cosy léger et chaud mais le travail était
en contradiction ; il était plein de rayures, les marques de griffes de
frustration et de passion. La salle était remplie d'éléments de brindilles de
signification tissée attachés au matériel collé et repeintes. L'accumulation
d'un cri qui apparaissent au sein du centre de la toile ; un visage en essayant
d'être entendu ou même transmettre l'éventualité d'une attaque subtile sur un
public fragile.
Abreuvoir
Sur une
des étagères, à côté de l'entrée de la salle du fond tranquillement perché un
relativement petit ouvrage que beaucoup peuvent même être laissé de côté.
L'oeuvre était presque dans l'obscurité et certainement éclipsé par les travaux
les plus importants assez impressionnant, mais rien entre le solo beaucoup et
debout avec un air confiant, « Abreuvoir », remarquablement ressemblant à une
exposition de son propre. Ce travail m'a vraiment touché au noyau tellement
alors qu'il semblait me parler de façons je n'ai pas entendu ou senti avant. Il
a dit, ' je suis une peinture de la grotte, je suis primitif et fier. Je n'ai
rien et personne à craindre car je fais partie de la primitive, honte de mes
faiblesses, ma nudité, mon crudité, ma capacité à chasser et tuer pour ma
famille si nécessaire. Maintenant, dans un temps où tous veulent plus
développer et le progrès, qu'il est essentiel que nous entendons les
contre-arguments posent par les artistes qui pensent que si les peintures
rupestres sont toujours d'une importance telle et les gendarmes, Stubbs et même
Théodore Géricault sont secondaires à l'art rupestre il est logique de
respecter les origines de l'humanité et l'écho de leurs idées sur des toiles à
la main. Ce sont les voix qui représentent les valeurs partagées par la
majorité des personnes pensant.
Dialogue du corps
L'art
était forte et a évoqué le sens et l'esprit de l'idée de le « Altérité ». Cette
connaissance secrète du spirituel et de l'inconnu ; public occidental les
choses sont un peu effrayés de. La peur inexprimée et incontrôlable de
l'imprévisibilité de l'Afrique noire. Travaux comme ceux-ci n'est pas
considérées dans le courant dominant, car ils sont vraiment africains avec ce
sens unique de l'indépendance et de la rébellion qui l'établissement tente
désespérément de garder un couvercle sur. Ces œuvres sont pleines de talent naturel,
brut et indomptable, ils sont parmi les meilleurs jamais jamais vu de travaux.
Ils méritent leur propre classement et un mouvement d'être né en d'eux. Ils
sont loin d'être tiède et essentiel pour notre réflexion internationale
progressive sur la série surdéveloppée du meilleur de l'art africain.
Legarçondanslecoinle plus proche de nousest à pleurerlorsqu'illitlejournal.
En
quelque sorte le calendrier de ce mouvement semble parfait. Retour dans les
années 1980, Jean-Michel Basquiat a rejoint amis qu'il avait rencontré à New
York de Côte d'Ivoire et voulait mettre en place le monde de la créativité
trouvée en Afrique, en particulier les travaux en cours de création par
africains de l'Ouest Francophone. Il a été bloqué, arrêté dans cet élan et
ridiculisé par les médias. Malheureusement, cette jeune artiste talentueux
tragiquement décédé d'une surdose en 1988 seulement de 27 ans, et sa vision
pour l'Afrique n'a jamais réalisée. Depuis ce temps, the Art World n'a pris
aucun risque. Les meilleurs artistes ne sont pas célébrés ou applaudi et une
commercialisation totale de l'art a pris forme depuis la disparition de
Basquiat. Le marché s'est alignée sur le grossier « nouveau riche », donc l'Art
africain est un changement bien accueilli. Aujourd'hui, les africains
contemporains sont observés, entendue et respectée. Grâce à la technologie et
les médias sociaux, les artistes sont beaucoup plus visibles que jamais
auparavant. Ces œuvres d'art originales et autochtones sont le parfait antidote
optimiste pour renverser l'arène bestiale de la vulgarité opulente qui est the
Art World.
