Monday, 31 August 2015

Vasco Manhiça’s Point of View | Mozambique

The Process of Seeing: Vasco Manhiça’s Point of View
By: Erin M. Rice

Vasco Manhiça’s newest body of work is a product of two formative years since his last show in Maputo in 2013. After a brief return to Germany, in 2014 he attended a residency program in Dakar called Àsìkò (run by the Centre for Contemporary Art, Lagos), which had a profound impact on his approach to art as an instrument of social critique. Informed and inspired by the politically and critically charged practices of the faculty that ran the Asiko program, Manhiça turned his practice in late 2014 away from painting to an extended period of intense reading and exploration of the theorizations of Africanity and postcoloniality as they relate to the art world. Early in 2015, Manhiça moved to Berlin, arguably Europe’s center for contemporary art. He connected with a network of artists, several of whom also come from Mozambique, and found amongst his contemporaries another rich source of influence and inspiration, stronger, he says, than that which he draws from the generations of artists that have come before him. This vibrant artist community, the energy of the city of Berlin and the groundwork laid in 2014 combined to create a space and time of intense productivity, resulting in the series of large-scale paintings that comprise Point of View.

The works in the new series are witness to the personal growth of the artist’s last two years. They demonstrate in their command of color, line, text and space a heightened confidence and articulateness. Moving fluidly between the political and the personal, these works can make specific cultural reference to Maputo or intimate relationships as easily as they broach subjects of universal relevance. ‘Mural do Povo’, for instance, references in the phrase my love I do not love you the Mozambican people’s feelings towards the flawed transit system of Mozambique’s capital city, while ‘Bitter Sweet Symphony’ alludes to love of a very different nature. 

Works such as ‘Global North’ and ‘Cage Break’, on the other hand, are infused with the experiences of an African living in Europe projected through the loud piece of the mass media. In particular, ‘Global North’ addresses those who are subjected to pitiless international migration policy as they seek a coveted visa to a country north of the socio-economic divide. Recent years have posed numerous new challenges to countries that border the Mediterranean including the Arab Spring uprisings, the ensuing unrest in Egypt, Libya, and the spread of ISIS. One of the results has been a drastic increase in migration from Africa to Europe, contributing to the largest global population of displaced persons and refugees ever witnessed. Tens of thousands of migrants seeking a better life in Europe have risked everything crossing the treacherous sea routes from North Africa for the shores of Italy and Greece but often are met with hostility, long internments in processing centers, a lack of jobs and opportunities, or worst of all: death at sea. 

Framed by an ominous arch of dark pigment, the words “je suis” appear in ‘Cage Break’, making clear reference to the catchphrase of solidarity that flooded social media after the shootings at the Paris offices of political satirist magazine Charlie Hebdo. Missing is the “Charlie” that completed the phrase, but in this absence is the implicit critique of the phrase’s hypocrisy as Europe condemns the actions of the attackers, while it simultaneously turns a blind eye to the plight of its immigrant populations. 

The statement also holds open the possibility and ambiguity of identity; je suis / I am is, in the intentional absence of a noun, a very simple declaration of existence, and the idea of identity as a process. This notion of process is perhaps more appropriate for people like Manhiça, and the countless who have followed the same trajectory before him, who have left their respective African countries for the West (including personal influences such as Fela Kuti), and in that act of leaving have found an affinity with their African identity, while at the same time their life in a foreign land has re-shaped the very notions of those foreign places, of home and of belonging. Upon return, however, stereotypes of the person who left Africa cloud the realities of the struggles he or she faced abroad.  This is the predicament of the artist returning home. 

For Manhiça, painting is a method of translating his experiences into a language that can be understood by those who have not had the same opportunities as him to see his country from the standpoint of someone who has left. Leaving Mozambique bestows a clarity, like hindsight, that only comes in departure and dis/re-location such that new viewpoints, free from the dominance of media, propaganda, or dogma can be formed and expressed. 

Vasco Manhiça’s latest works may be written in the language of expatriation, but what they unfold is a narrative about the journey of returning written for the people back home. 

Friday, 28 August 2015

Abeer Seikaly | Jordanian-Canadian Architect, Designer and Artist

Weaving a one woman can help millions of people globally


A sustainable tent that collects rainwater, folds up for easy transport and stores solar energy? Sounds visionary, right? But this is the invention of Jordanian-Canadian architect, designer and artist Abeer Seikaly.

[IMAGE: Abeer Seikaly]

Seikaly designed these amazing multipurpose tents with refugees in mind, people who have been displaced by global and civil war, climate change and more. 

Inspired by elements of nature such as snake skin and traditional cultural aspects such as weaving, nomadic life and tent dwellings, this weather proof, strong but lightweight and mobile fabric tent gives refugees shelter but also a chance to "weave their lives back together".

The flexible dual layer tent structure has the ability to close out the cold of winter and wet weather. It also opens up to allow cool air in and hot air out in summer. Rainwater is collected in the top of the tent and filters down the sides so the tent does not become flooded. The tent also has the ability to become a showering facility with water being stored in pockets on the side and drawn upwards via a thermosiphoning system providing basic sanitation.

[IMAGE: Abeer Seikaly]

Solar energy hits the tent fabric and is stored in a battery for use at night providing renewable electricity.

[IMAGE: Abeer Seikaly]

For this amazing life changing structure, Seikaly has won the 2013 Lexus Design Award.
These tents also would make excellent shelter for people who have been displaced by natural disasters.

A simple but effective structure which has the potential to change so many lives across the world by providing some of the basic human rights to displaced people: a home, water and energy.

Source: 1 Million Women

Sidy Diallo from Senegal | Death of An Artist

Sidy Diallo at Brundyn

By Themba Tsotsi
04 September - 25 October.

Points et Iténeraire 2 et 1
Sidy Diallo
Points et Iténeraire 2 et 1, 2013. Acrylic and Pastel on Canvas Each: 200 x 150 cm.

From the 4 September to the 25 October 2014, Brundyn+ Gallery hosted Sidy Diallo’s exhibition 'Points et Itineraires'. Sidy Diallo is a painter from Senegal who works in a style that is inspired by lithography, a medium characteristic of many African artists. The exhibition is comprised of images that depict bridges and roads, whose forms seem to implicitly contain the anonymity of transition, and within Diallo's context they are further imbued with political connotations.

The way Diallo explores his interests within the medium has to do with the scale of the work; he incorporates paint and other materials like brown paper making the work multimedia in nature. In his style however, he quotes the traditional use of lithography within an African context which surrounds the issue of access – in this case the simple access to materials like paints and brushes. This of course has broader connotations.

Sidy Diallo
Genese 2014, Acrylic and Pastel on Canvas, Triptych: 133 x 133 cm each

Sidy Diallo distorts both the scale of the images and the canvas; instead of the dots and working surface being small they have been enlarged. In doing this Diallo maintains lithography’s sombre mystery, while at the same time retaining a boldness that evokes within the audience an immediate sense of nostalgia. Their difference, however, also lies in the sense that the images represent the immediacy of the contemporary discourse of forced migrations and exile. Here the large dots add to this effect distorting the image, conveying the anonymity of transition and the certainty of being identified as an exile, referencing a discourse in which the Diaspora lies implicit.

The backgrounds of the paintings are also depicted with dots as if the artist seeks to connect the figures to their circumstance. The large dots and the scale of the work in relation to the traditional themes of the lithograph are an attempt to depoliticize this state of affairs, the effect has a vitality that is contradictory to the plight of these embarcations as if now there is a freedom in them that only youth can realize.

The exhibition explores the underlying reasons for crossing borders in contemporary African society in the wake of phenomena like the slave trade, the diaspora and human trafficking. Throughout the exhibition there is the motif of the road or path, that connotes transitions which both seek to inculcate a form of limbo as well as forms of connecting. However, in the exhibition these paths or roads not only act as metaphors for transition, they are also metaphors for the fact that cultures are not informed by the progress of an encounter. In the case of Diallo’s migrations this is an encounter with diversity, and as a result they become, with the people who represent these cultures, barren as the roads they use to migrate.

La Traversee
Sidy Diallo
La Traversee
Acrylic, pastel and paper on Canvas (4 panel painting)
270 x 270 cm
In Travel Masqued 3 – an acrylic, pastel and paper on canvas piece – a large male figure is walking on a narrow path or road with white hands and feet and appears to be contemplating or lamenting previous migrations. Not only is he connected to those who took this path in the past, he seems through his posture to physically appropriate their struggle. Furthermore the small figures on the edge of the canvas walking on another path, appear to be in an indeterminate state facing different directions. Their presence and disorientation suggests that the figure in the middle of the painting too is lamenting the strife or plight of embarking on the path.

There is, it seems, an almost binary opposition contained within the exhibition. The work E & A is a piece depicting two figures, one male painted brown and grey, the other female painted cream with an apple on the ground. The work seems to state that even though migrations are characterised by a lacking, when a destination is found there are nevertheless fruits to reap, not just in the encounter with diversity but also that the industry of transition can be realized. If there is anything sinister it lies in the treachery of the path, with its promise of fruit and sustenance, which are replete with the ambiguity of an arrival that does not necessarily mean success. However the other paintings in the exhibition are barren of the idea of reward. What the artist seems to suggest is that at the end of the path, an encounter with diversity and creativity is inevitable, but this does not guarantee a holistic success as is connoted by the bitten and discarded apple.

These ideas of success and frailty are brought together with presence of the bridge in the exhibition titled The Crossing. It speaks and is a metaphor for the universal forms of economic struggles, the discourse of innovation and the frailty of community development that can enforce migrations and crossings. In this sense the footbridge becomes the universal image of socio-economic frailty. It is a traditional foot-bridge with ropes and foot planks, extended from one end of the hall to the other – it effectively connects one painting to another.

Source: Artthrob | South Africa 


Sadly this artist died this week.

2 years ago, I was blessed to be introduced by Barkinado Bocoum to a group of young talented and creative artists in Dakar who worked with me and young Brazilian artists during an exchange art project I had initiated. One of these artists was a very kind spirited, creative and promising young man named Sidy Diallo. Sidy was one of Senegal's rising Art stars, as he was being invited to participate in international exhibits and winning awards, notably at Dakar's last biennale. Like the rest of the group (Sol d'Art), I considered Sidy like a young Brother, and it was with great pleasure that I'd catch up with him every time I'd go to Senegal and see where his creativity was taking him.

A few days ago, I learned that Sidy had passed away, and I am still in shock. May his spirit guide the creative youth and souls of our World. I am in spirit with his family and friends. Life is short and we must DO. We must MAKE. Sidy MADE, and he will inspire us forever.

Peace and Beauty.

Décès du plasticien Sidy Diallo :Le jeune peintre au «talent prometteur» est mort

Le monde de la culture pleure encore un des leurs. Sidy Diallo, âgé de 28 ans est décédé samedi. Le «talentueux» lauréat du prix de l’Oif lors de la dernière édition de la Biennale de l’art africain contemporain de Dakar n’est plus. Selon la plateforme des arts visuels du Sénégal présidé par Viyé Diba, Sidy Diallo était l’un des plus talentueux de sa génération. Aujourd’hui, il a rejoint ses pères Pape Ibra Tall et Diatta Seck dans le royaume de la vérité. Le jeune peintre s’était révélé au monde des arts par son talent prometteur.

Major de sa promotion à l’école nationale des arts, avec une mention bien en 2013, il est sélectionné dès sa sortie dans l’exposition officielle de la onzième Biennale de Dakar. «Je me félicite de ce prix, comme j’ai eu à le dire, je viens de sortir de l’école nationale des arts. Aujourd’hui, je me retrouve sélectionné dans la plus grande Biennale africaine, c’est une grande chose dont je suis fière et le tout, je reçois le prix de l’organisation internationale de la Francophonie (Oif)» exprimait-il avec joie à la fin de la cérémonie. L’homme dont le travail consistait à apporter des réponses contemporaines par rapport aux questions de développement contemporaines qui affectent le continent africain est décédé la veille de son anniversaire. Toute l’équipe de Walfnet présente à sa famille ses sincères condoléances.


Wednesday, 26 August 2015

Tuira Kayapo Talks The Truth

Statement from Lucienne Sheyla | Lucienne Sheyla 

Statement from Lucienne Sheyla | Lucienne Sheyla

Tuira Kayapo' is an indigenous Elder Mama Warrior who showed the world what happens when women take charge of their power. She walked into the 1989 Altamira Gathering in Brasil against the construction of Dams in the Xingu, in her war paint, naked and carrying a large machete. She then walked up to the President of Brasil's Light holding Company Petrobras and running the blade of her machete three times over his cheeks, proclaimed his act on her people and on the entire Amazon as an act of war. She then stated in Kayapo':

"You are a liar - We do not need electricity. Electricity is not going to give us our food. We need our rivers to flow freely: our future depends on it. We need our jungles for hunting and gathering. We do not need your dam."

Everyone stood in absolute awe at her audacity, especially the President of Petrobras who looked quite afraid...yet what I see in her is a true example of what Mamas are capable of in their full Power.....

We have ALL become tired of this mess the world is in.... It is Time to reclaim our Truth!! Don't play with our good hearts and intentions...for I know... at least in my case.. I am Pure Love at all times, though my machete is not too far away from my reach.


This is to do with the flooding of her land in order to create electricity. So in order to progress we have to destroy our nature and her people. This is so much more than just land rights, it is to do with life on earth.  

What Tuira Kayapo' is saying, 'progress as much as you like or as much as you need but make sure I and my people can live as nature intended.' 

We need to address this issue yesterday but this it the point of the underdevelopment of the world.

Tuesday, 25 August 2015

Gordon Parks | Renaissance Man

Here is a world renowned photographer, a symphony composer, a writer of 14 books, a poet and a film director - without any formal education Gordon Parks is most certainly a modern day Renaissance man and an inspiration to us all. His life covers the most exciting part of American history; that of the Civil Rights Movement of the 1950 and 60's and he plays a huge part in shaping that story. His compassion for others is so evident and his confidence allowed him to achieve an enormous amount in a life so well lived. Self belief, will power and charisma make an unstoppable combination.

Monday, 10 August 2015

Emmanuel fait France par Joe Pollitt

*N.B. Bing Translate from the English -

Exposition à la Galerie d'Art Beautiful, Vichy.

« Flourism »

Artiste : Emmanuel Kavi du Togo

Dramaturge Arthur Miller, a écrit sa célèbre pièce d'un seul acte, « Incident à Vichy » en 1964, qui observe un groupe d'hommes détenus à Vichy, France. Les hommes sont tous détenus dans une cellule de détention improvisé, en attente de l'inconnu. Ce qu'ils sont détenus pour bientôt devient apparent, leur inspection « raciale » par du Souss gendarmes Vichy et officiers de l'armée allemande pendant la seconde guerre mondiale. La pièce dissèque la véritable nature des êtres humains, en se concentrant sur ce qui a été fait dans la ville et facilité la tyrannie et l'intimidation peuvent dominer la majorité faible. Les thèmes de cette courte pièce de théâtre s'articulent autour des idées de culpabilité, de peur et de complicité et examine comment les Nazis ont pu perpétrer l'Holocauste avec si peu de résistance. 

Avec ce trouble histoire à l'esprit, d'entendre parler d'un homme congolais, Christian Miltoni, a mis en place un établissement soutenant les artistes de l'Afrique au centre était tout à fait remarquable. Je ne pouvais pas attendre de voir l'art et de découvrir de nouvelles oeuvres des artistes francophones. La Galerie a ouvert que récemment en janvier et s'appelle « Beaux Art ». Il s'agit d'un projet ambitieux et l'emplacement est parfait ; en plein coeur de la France. Vichy possède une histoire horrible, et il semble tout à fait approprié qu'un African Gallery doit panser les plaies du passé que cet événement a été crucial. L'importance de l'Afrique dans l'Art n'a pas encore être pleinement réalisés, mais les œuvres ressemblent à des eaux de Vichy ; ils rajeunir, nous garder jeunes car ils sont pleins d'approches philosophiques originales et inventives du sujet. Cela nous rappelle fondamentalement de l'importance de l'Art.

Il était intéressant de voir ceux sur les rues en tenant un tel intérêt dans le travail de Emmanuel et se livrer à des idées que leurs parents auraient trouvé odieux. Les Français sont une nation d'amateurs d'Art et c'est le seul aspect où course n'a pas de barrière et les peintures étaient professionnels et personnels, exposé avec une sensibilité qui est rarement vu dans le flux principal. Le travail a telle force lorsque présentés ensemble et la puissance n'a pas échappée à la population de Vichy. Il était clair que le travail était authentiquement organiques et unique ouest-africain. Les toiles étaient remplis de messages de mythologie et bêtes créatifs, connus et inconnus. C'était un luxe pour voir tel un solo bien construit et organisé.

Two Faced
Nous devons nous demander ce qui est de l'Art africain. Ce qui le rend différent de l'Art européen ? Ce que devrions nous Rechercher ? Nous sommes parfaitement conscients que les deux formes d'Art sont sérieusement mondes. Emmanuel est un pionnier ici et à l'avant-garde en exploitant tout ce qui est bien dans son environnement de creuser la terre à travailler, au tissage de bandes de coton pour compenser ses toiles. Il travaille avec les teinturiers de professionnel en cuir et s'intéresse à tous ceux qui font la couleur naturellement. Il ajoute même des morceaux d'écorce pour créer la texture et profondeur montrant son profond respect pour la nature. Il est réduit et se réduisant à rien ; femmes enceintes de personne et uniquement sur ce qu'il peut trouver autour de lui. Il s'agit de l'absolu polaire en face de le œuvre produite par des artistes dans l'Ouest. Leurs œuvres sont plus produites, créés avec des budgets énormes et construits sur une échelle qui éclipse mentalement le spectateur, laissant le spectateur dans un état d'une fausse impression. Le travail est immense et généralement ne laisse rien à l'imagination. Il est en plastique dans toutes sortes de façons et dépourvu de nourrir l'esprit, alors il est grand temps pour l'Afrique à lever et sortir de l'ombre et jouent un rôle essentiel dans notre façon de penser de nos jours.

Le samedi 4 juillet, je me suis rendu à Claremont par Ryan Air, qui est le pays de Volvic et a ensuite pris un train jusqu'à Vichy, célèbre pour ses eaux pures qui est considérés comme ayant des propriétés saines. Qui s'est tenue au centre était une exposition en milieu de carrière de l'artiste togolais, Emmanuel Kavi. Emmanuel travaille sur divers projets depuis le début des années 1990 et je suis tombé sur son oeuvre à Ouagadougou, Burkina Faso, en 2003. J'avais gardé contact avec Emmanuel mais uniquement via les médias sociaux, j'ai donc été ravi de le rencontrer en personne. Son travail en 2003 a été animé, plein d'espoir et de la vigueur, le type de travail qui peut être créé uniquement dans le confort de l'Afrique. Heureusement, en octobre 2014, Emmanuel a pris la décision de se baser en permanence au Togo et non en France. Il a rapidement rétabli lui-même en se joignant à quatre autres artistes qui, ensemble, travaillent dans un grand studio situé aux abords de la capitale, Lomé. Dans June Emmanuel fièrement m'a invité en France pour voir ses nouvelles œuvres. J'ai été ravie d'être posées et ravie de voir que ses œuvres ont été respirant la même énergie vivace comme avant. Certainement l'un des favoris avec le public Français a été cet ouvrage érotique intitulé « Métamorphose ».

La Galerie a été emballée, l'art est partout ; affichées sur les murs, sur le sol, sur les plateaux et Emmanuel avait rendu ces créatures humanoïdes qui était assis tranquillement sur le rebord de la fenêtre à la vue pour les curieux Français public. Il s'agissait d'expositions africaines plus complets que j'avais vu au cours des années. Il a mis en évidence un artiste à son meilleur et décrit ce que veut dire être en provenance d'un pays où il n'y a aucune des écoles d'Art reconnues, des galeries ou des boutiques d'art même. Il est fascinant d'observer les artistes avec aucun accès à des matériaux tels que ; peintures, toiles, chevalets, pinceaux, alcools blancs et voir ce qui peut être accompli avec le strict minimum. Sur les murs là où les peintures avec des morceaux d'écorce, des noix de Kola concassée qui fait une profondeur impressionnante bleu/violet, il y a preuve de sable et beaucoup de la richesse du sol togolais familier. Dans la fenêtre de la Galerie a été le œuvre plus audacieux que j'ai vu au cours des décennies. Africaine nue « Informel » qui sort une toile. Composé de maille et de la terre rouge, trouvé à l'extérieur de la ville à la campagne...

Dans la fenêtre. Sous les yeux de tous les amateurs d'art Français passant - en plein centre de la France. Vichy de tous les lieux... VICHY ? Ceux qui appellent ces artistes comme, « de Artiste plasticen », ce qu'une phrase vulgaire, typiquement français et essayant de leur mieux pour appuyer les artistes de l'Afrique comme ils l'ont fait les auteurs avec l'expression « Nigritude » - Artiste de Plasticen est une expression utilisée spécifiquement pour les artistes africains et cela veut dire ceux que peinture, sculpter, créer des céramiques, écriture poésie et même danse. Mais si vous deviez demander mais Picasso n'était pas un « Artiste de Plasticen » ? La réponse que vous obtenez est, "Non, période de Picasso est une grande Artiste. » Regardez ce que Emmanuel a fait... l'émergente prêt africaine nue à conquérir le monde de l'art. Qui peut avoir demandé pour en savoir plus ? Tout le spectacle était plein de travail "BOLD", élégant et plein de fraîches nouvelles visions venant de la francophones.

La danse du salon
Il m'a fallu des âges de comprendre, mais je commençais à faire les raccordements et les liens vers la France de l'après-guerre, remontent à une période exaltante in Art History ; « Art Informel » de la France dans les années 1950. Cette période de changement de mer a donné naissance au mouvement « Cobra » ; artistes de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam également le mouvement abstrait dans toute l'Europe et avait des liens à l'école de New York de l'expressionnisme abstrait aux USA. Étonnamment, cela va presque en parallèle avec contemporaine francophone Afrique de l'ouest du moment présent. Pour les artistes de devenir international ils devront inévitablement développer un mouvement quelconque, et c'est impératif pour les africains en général. Emmanuel et j'ai parlé de ce paradigme, et il est devenu évident que les artistes avaient déjà inauguré un tel mouvement ; en fait, ils avaient commencé dès le siècle dernier ; à la fin des années 1990. La plupart des artistes sérieux travaillaient avec seulement l'essentiel, préférant rejeter les techniques et les idéaux de l'Occident en faveur de faire avec ce qui était disponible à partir de leur environnement immédiat. De cette façon les artistes gracieusement accepté leur sort et a surmonté les pièges en étant créative inventive. Le groupe n'avait pas vraiment vu eux-mêmes comme autre chose que des artistes individuels, mais ils partagent la même vocation donc ensemble, que Emmanuel et j'ai réglé sur la bien nommée phrase - "Afrique Informel". En établissant ce mouvement les artistes seront assurés une place dans l'histoire et aussi acquièrent les changements nécessaires nécessaires pour être admis dans le monde de l'Art sans l'épouvantable contrôle impérialiste d'une qualification Ouest inutile et indésirable. Le groupe a évolué essentiellement d'une série de Français parlant des artistes ouest-africains : Emmanuel Kavi, Kossi Ankude « Laka », Papisco Kudzi et Sokey Edorh de Lome, Togo ; Soly Cissé et N'Dary Lo du Sénégal : Suzanne Ouedraogo et Sama de Ouaga, Burkina Faso ; Ernest Duku de Côte d'Ivoire et Charly Almeida et Romuald Hazoumé de Cotonou (Bénin). Tous ces artistes sont réduisant leurs palettes et travaillant avec l'essentiel. Ils utilisent des teintures naturelles comme des pigments, la terre rouge, des objets métalliques mis au rebut pour les sculptures et même les écorces des arbres sur des toiles à la main afin d'ajouter de la texture, mais je m'égare ; concentrons-nous dans sur le travail à portée de main. Retour à la Galerie...


En parcourant l'exposition l'art était presque insupportable et puis dans le dos était une chambre de petite case, the cosy léger et chaud mais le travail était en contradiction ; il était plein de rayures, les marques de griffes de frustration et de passion. La salle était remplie d'éléments de brindilles de signification tissée attachés au matériel collé et repeintes. L'accumulation d'un cri qui apparaissent au sein du centre de la toile ; un visage en essayant d'être entendu ou même transmettre l'éventualité d'une attaque subtile sur un public fragile.

Sur une des étagères, à côté de l'entrée de la salle du fond tranquillement perché un relativement petit ouvrage que beaucoup peuvent même être laissé de côté. L'oeuvre était presque dans l'obscurité et certainement éclipsé par les travaux les plus importants assez impressionnant, mais rien entre le solo beaucoup et debout avec un air confiant, « Abreuvoir », remarquablement ressemblant à une exposition de son propre. Ce travail m'a vraiment touché au noyau tellement alors qu'il semblait me parler de façons je n'ai pas entendu ou senti avant. Il a dit, ' je suis une peinture de la grotte, je suis primitif et fier. Je n'ai rien et personne à craindre car je fais partie de la primitive, honte de mes faiblesses, ma nudité, mon crudité, ma capacité à chasser et tuer pour ma famille si nécessaire. Maintenant, dans un temps où tous veulent plus développer et le progrès, qu'il est essentiel que nous entendons les contre-arguments posent par les artistes qui pensent que si les peintures rupestres sont toujours d'une importance telle et les gendarmes, Stubbs et même Théodore Géricault sont secondaires à l'art rupestre il est logique de respecter les origines de l'humanité et l'écho de leurs idées sur des toiles à la main. Ce sont les voix qui représentent les valeurs partagées par la majorité des personnes pensant.

Dialogue du corps
L'art était forte et a évoqué le sens et l'esprit de l'idée de le « Altérité ». Cette connaissance secrète du spirituel et de l'inconnu ; public occidental les choses sont un peu effrayés de. La peur inexprimée et incontrôlable de l'imprévisibilité de l'Afrique noire. Travaux comme ceux-ci n'est pas considérées dans le courant dominant, car ils sont vraiment africains avec ce sens unique de l'indépendance et de la rébellion qui l'établissement tente désespérément de garder un couvercle sur. Ces œuvres sont pleines de talent naturel, brut et indomptable, ils sont parmi les meilleurs jamais jamais vu de travaux. Ils méritent leur propre classement et un mouvement d'être né en d'eux. Ils sont loin d'être tiède et essentiel pour notre réflexion internationale progressive sur la série surdéveloppée du meilleur de l'art africain.

Le garçon dans le coin le plus proche de nous est à pleurer lorsqu'il lit le journal.

En quelque sorte le calendrier de ce mouvement semble parfait. Retour dans les années 1980, Jean-Michel Basquiat a rejoint amis qu'il avait rencontré à New York de Côte d'Ivoire et voulait mettre en place le monde de la créativité trouvée en Afrique, en particulier les travaux en cours de création par africains de l'Ouest Francophone. Il a été bloqué, arrêté dans cet élan et ridiculisé par les médias. Malheureusement, cette jeune artiste talentueux tragiquement décédé d'une surdose en 1988 seulement de 27 ans, et sa vision pour l'Afrique n'a jamais réalisée. Depuis ce temps, the Art World n'a pris aucun risque. Les meilleurs artistes ne sont pas célébrés ou applaudi et une commercialisation totale de l'art a pris forme depuis la disparition de Basquiat. Le marché s'est alignée sur le grossier « nouveau riche », donc l'Art africain est un changement bien accueilli. Aujourd'hui, les africains contemporains sont observés, entendue et respectée. Grâce à la technologie et les médias sociaux, les artistes sont beaucoup plus visibles que jamais auparavant. Ces œuvres d'art originales et autochtones sont le parfait antidote optimiste pour renverser l'arène bestiale de la vulgarité opulente qui est the Art World.