Wednesday, 11 May 2016

Painting Unseen | Hilma af Klint

Serpentine Galleries presents an exhibition of Swedish painter Hilma af Klint (1862–1944), who is now regarded as a pioneer of abstract art. While her paintings were not seen publicly until 1986, her work from the early 20th century pre-dates the first purely abstract paintings by Wassily Kandinsky, Piet Mondrian and Kazimir Malevich. 

"The show of the year" - The Sunday Times

This Serpentine exhibition focuses primarily on af Klint's body of work, The Paintings for the Temple, which dates from 1906–15. The sequential nature of her work is highlighted by the inclusion in the exhibition of numerous paintings from key series, some never-before exhibited in the UK.
After graduating from the Royal Academy of Fine Arts in Stockholm in 1887, af Klint took a studio in the city where she produced and exhibited traditional landscapes, botanical drawings and portraits. However, by 1886 she had abandoned the conventions she learned at the Academy in favour of painting the invisible worlds hidden within nature, the spiritual realm and the occult. She privately joined four other female artists to form a group called ‘The Five’. They conducted séances to encounter what they believed to be spirits who wished to communicate via pictures, leading to experiments with automatic writing and drawing, which pre-dated the Surrealists by several decades.
In 1905, af Klint received a ‘commission’ from an entity, which the group named Amaliel, to create her most important body of work, The Paintings for the Temple. Consisting of 193 predominately abstract paintings in various series and subgroups, the artist painted a path towards a harmony between the spiritual and material worlds; good and evil; man and woman; religion and science. This major work charted the influence of science and religion on af Klint’s works, from the discovery of electromagnetic waves to the spiritual teachings of anthroposophist Rudolf Steiner. Steiner was af Klint’s mentor and his presence in her life resulted in the cycle becoming more orderly with depictions of symbols and motifs, such as shells, snakes, lilies and crosses, from his spiritual movement.

Hilma af Klint painted in near isolation from the European avant-garde. Fearing that she would not be understood, she stipulated that her abstract work should be kept out of the public eye for 20 years after her death. While the works were not exhibited for a further 20 years, it subsequently came to be understood alongside the broader context of modernism at the turn of the 20th century.

The exhibition is co-curated by the Serpentine Galleries in collaboration with Daniel Birnbaum, Director of Moderna Museet, Stockholm.

Monday, 9 May 2016

Artist presents naked body as provocative tool

Author | John Owoo
(At large in Kumasi)

Source: ArtsGhana

A recent work by the Ghanaian performance artist Va-Bene Elikem Fiatsi (crazinisT artisT) that made the familiar intensely political and the peculiar eccentric ended recently in the Ashanti regional capital Kumasi.

Tapping deep into potentially traumatic subjects, Fiatsi exploits the “aesthetics” of human rights violations, sexism, gender violence, political injustice, xenophobia and religious extremism as a social process within the global community and powerfully comments on them.

Using his naked body alongside braided hair and painted nails, the artist lays motionless on a mounted table covered in red and white sheets splashed with his own blood. In the midst of an eerie silence, he engages the audience with conflicting emotions of desire and revulsion, fear and fascination as well as provocation and irritation.

Merging iconographic imageries of funerary rituals with an appropriation of the last supper from the Bible, the performance made bold comments on “pleasuring and commodification” of marginalised citizens while showing then off as victims of “freak shows”.

Fiatsi sought to re-examine the paradoxical relationship between human rights and international political structures that claim to protect marginalised individuals and groups – and he largely succeeds as he challenges the vision of the world while exposing its contradictions and complexities.
Through a multi layered performance that lasted five hours, Fiatsi managed to reduce the human body to an exotic product as though to be bargained, purchased and consumed. Indeed, he stimulates an open-ended dialogue on degradations of voiceless citizens and violations of human rights by presenting his naked body as a provocative tool.

In a near cryptic performance, Fiatsi calls on his audience (who graciously take part) and indeed the world at large, to re-examine the issue of humanity while coolly urging them to see beyond his nakedness and begin a soul-searching exercise.

Currently an MFA student at the College of Art & Design, Kwame Nkrumah University of Science and Technology (Kumasi), Fiatsi is a multimedia performance artist. His works investigate the socio-cultural supremacy of dominant groups by questioning the relationship between “right wing” groups and marginalised citizens within “civilised” societies.

He explores the hybridity of forms, spaces and structures as “inherent” components of performance art and therefore decontextualizing the relationship of the human body to society and its normative cultures. Indeed, he perceives the human body as a colony of societal norms, codes, taboos and doctrines striving against oppressive prejudices.

Pictures by Anwar Sadat Mohammed & Justice Amoh

Wednesday, 4 May 2016

Africa and how we write...

Africa is one vast Continent with over 2,500 languages or more. Billions of people and in any one minute you can talk about the Africans kissing, hugging, making love, breaking up, being shot, being born, buried, blownup in mine fields. You name it, it is there. For the whole world to watch and judge at will and take from it what is good for themselves at any one time.

I can find you a starving baby, a crying Mother, a dying Aunt and a sick Granny. Just in that one minute. It is all there for all to take at will. Whatever suits your purpose. If you are so inclined and unkind as you rubbish the very face of Africa. Saying nothing positive just pointing out her faults, showing the world her weakness that lies within. Making out that without help she is useless. She is too fragile not to assist and even in that very assistance so too you are taking. Taking always taking, making out your aiding but all the while you're abetting, on whether or not to steal the lot or just enough to keep her on her knees...Keep taking, we waking up to your taking attitude of yesteryear.

Monday, 2 May 2016

Serge Clottey written by Keilah Wells - French Version

Aujourd'hui commence un débat en cours sur la vie au Ghana, le premier pays sur le continent pour gagner l'indépendance, en 1957. Piloté par l'artiste, Serge Clottey, avec un entourage de collègues artistes de Labadi, Nima et ailleurs à Accra, Galerie 1957 ouvre ses portes au public à l'Hôtel Kempinski Gold Coast City. Le but du projet est d'expérimenter de nouvelles façons de voir l'art et le but de la culture à toute société. Contrairement aux générations précédentes d'artistes post-coloniale de l'Afrique, ceux qui ont reçu des bourses et des prix de se former dans diverses écoles d'art européennes, comme la Slade, la Royal Academy, le Collège international d'art ou de l'Ecole des Beaux Art Superiore à Paris, nous commençons maintenant pour voir un changement comme jamais auparavant. Les artistes choisissent de tourner le dos à la formation plus formelle de l'Ouest et préférant exercer quelque chose de beaucoup plus organique, original et home-grown, tirant de tous les aspects trouvés dans leurs cultures indigènes fières et refaire ce qui est considéré comme l'art en Afrique de l'Ouest comme un timbre pour la Communauté internationale d'art à regarder vers. Ce développe un certain changement dans l'état d'esprit global vers le continent. Il est tout à coup un besoin pour une rééducation et une meilleure compréhension de l'objet et le sens de l'art. Grâce à une série d'installations uniques et authentiques, des œuvres d'art et de spectacles, la galerie met en une norme impressionnante pour les autres suit.

Serge Attukwei Clottey a acquis une reconnaissance internationale par l'intermédiaire de l'Internet et à travers ses voyages à l'étranger avec ses œuvres mettant l'accent sur ​​les boîtes jaunes jerry , un symbole visuel iconique qui sont devenus au cœur de son travail ; ces tambours gallon jaunes sont utilisés pour apporter de l'eau dans les foyers des défavorisés peut être vu dans les quartiers les plus pauvres de Accra et devient sa métaphore optique pour le sous-développement de la capitale du Ghana. L'eau est à une prime et bien que considéré comme le droit humain le plus essentiel sur la terre , dans l' Accra , l'eau du robinet dans les foyers est strictement réservé aux gens aisés à riches et . Un bon drainage et de plomberie dans toute la ville doit encore être réalisé pour tous. Serge est souvent considéré comme l'un des chefs de file de son époque et au cours des dernières années, a effectivement mis au point une nouvelle génération d'artistes d'Afrique - Generation X , mais qu'est-ce que son père dit à son fils , habiller dans les vêtements de sa mère et appelant il Art ?

Le point dans le développement artistique de Serge tournant a été quand il se hasarda vers le Brésil et a travaillé à Belo Horizonte en 2006. Cela lui a donné un aperçu de ce que l'art pourrait être et il a alors commencé à contester les paramètres étroits de ce qui a été considéré comme l'art africain contemporain. Maintenant, nous commençons à voir comment il a pris courageusement sur le mantra de son père M. Seth Clottey, dont formelle, oeuvres d'art les plus conservateurs classiques lui ont apporté la célébrité dans les années pendant l'indépendance et au-delà. Bien que les peintures de son père sont très œuvres d'art réalisées qu'ils ne tendent à favoriser un appétit colonial. L'idée de créer des portraits, des œuvres figuratives ou de paysages, étiré sur des toiles et situé dans des cadres dorés semblait un peu unadventurous pour son fils très concurrentiel. Ces vieux-fashioned et dépassées œuvres semblaient jouer en quelque sorte entre les mains d'un passé opprimé. Ils ont été créés à la demande et sur la base d'être vendus. Pour trouver un marché spécifique pour une domination invisible qui semble être resté au Ghana depuis l'indépendance. Le jeune artiste a estimé que la génération de son père était rien de plus que les Ghanéens copie l'Occident. La culture en Afrique de l'Ouest, comme ailleurs sur le continent, est de montrer votre respect pour vos aînés en tout temps et jamais à la confrontation entre eux. Pour ce faire est considéré comme étant tout à fait impertinente et récompensé avec un beau coup. Son père, M. Seth Clottey ne pouvait tout simplement pas comprendre ce que sur la terre il était jusqu'à. Cette relation père / fils tourmenté était certainement pas facile et l'idée même de créer des œuvres sur les déchets mis au rebut a été difficile pour la génération plus âgée à se réconcilier avec et pratiquement impossible à comprendre. M. Seth Clottey était furieux contre sa non-conformité de printemps, le croyant grossier et irrespectueux. Il était à ce moment où j'ai rencontré Serge, à son plus pauvre et son meilleur. Il était en guerre avec lui-même et tous ceux autour de lui. Les deux artistes jeunes et vieux étaient à couteaux tirés. Son père a été complètement dérouté par les pitreries de son fils, pensant qu'il ne ferait jamais rien de lui-même en jouant avec les déchets mis au rebut de la ville. Quel genre de vie pourrait-il faire de tels efforts? Il n'a jamais pour un cas considéré comme ce qu'il faisait pourrait éventuellement être pris au sérieux et au Ghana finirait se moquer de son fils et de ruiner le nom de famille, ainsi a commencé au début des années angoissantes et le début des activités artistiques de Serge.

Ce sont les jours difficiles que les difficultés rencontrées Serge sans soutien financier ou émotionnel signifiait qu'il était limité aux matériaux qu'il pouvait se permettre et les lieux où il pourrait dormir. Ayant si peu d'argent qu'il a trouvé du réconfort dans ses amis dans les régions pauvres de Labadi et Nima, ce sont quelques-uns des quartiers les plus pauvres à Accra, mais il était ici que le fils banni trouve son soutien. Il aiderait à tirer dans des filets pour les pêcheurs de Labadi pour gagner un repas carré décent. Il vivait dans une chambre simple, sans eau courante ni électricité, de sorte que la peinture à l'huile ou acrylique était trop demander, de sorte que ces limitations est devenu son plus grand atout. Pendant la journée, il est devenu une plage comber à la recherche de tous les déchets échoués qu'il pourrait utiliser comme matériaux artistiques et lier ensemble pour créer ses œuvres d'art. La difficulté dans les premiers jours était de briser cet état d'esprit classique du passé, que la gueule de bois de Colonialisme que l'art ne peut vraiment être un art si elle ressemble à l'art produit dans l'Ouest (Europe ou Amérique). Il a fallu énorme volonté et l'entêtement de la jeune artiste qui était si déterminé à faire sa marque dans le monde de l'art, mais heureusement, avec l'introduction de l'Internet et l'accès à un monde plus large, toute sa pensée intense a été repris ailleurs. vraie voie de l'artiste se levait pour le rencontrer et le combat pour une véritable indépendance culturelle a été créée.

Au début, Serge a commencé à utiliser des méthodes beaucoup plus non conventionnelles de création et plus en ligne avec des artistes du passé, avant le temps des envahisseurs. En utilisant sa propre interprétation de l'art africain moderne Serge a rapidement montré ses compétences par mélanger les cartes mères et les entrailles électroniques avec des plastiques de couleurs vives avec de la ficelle et corde attachée sur les plantes de bois, qui a fait ses déclarations sculpturales, forger ses propres créations uniques et générer une complète parabole de la modernité; l'idée de la technologie qui est au centre de cet environnement métropolitaine nouvellement mise en forme d'Accra moderne. A l'époque les choses se changent à vitesse de l'éclair, mais seulement pour quelques-uns et, en réalité, la majorité était encore très sensiblement les mêmes. Dans les années qui ont suivi les choses sont devenues de plus en plus excitant que Serge est devenu plus visible sur les médias sociaux où il pourrait afficher ses œuvres, ses photographies de mode de modélisation de se montrer, son équipe qui ont été construit autour de lui, comme il a commencé à documenter les visages de Labadi et ses voyages outre-mer à Vienne. Voici où son travail a vraiment commencé à faire plus de sens et les différents artistes internationaux qu'il a été introduit à l'endroit où, en gros merveilleusement encourageant et compatissant. Son travail a commencé à se développer le long de sa confiance et ses œuvres de performance est devenu un plaisir à regarder, d'un Ghanéen sans-abri dans une capitale européenne et son désir primal était une langue en vérifier la télévision vide, se moquant de ceux de l'Ouest et les Africains misérables qui semblent avoir aucun sens, tout en vivant dans le monde fou de la richesse non partagé. D'une certaine manière, presque par magie, il avait trouvé le portail à un monde qu'il savait mais il sentait qu'il ne pourrait jamais atteindre. La porte commençait à ouvrir et à travers elle, il pouvait exprimer tous ses désirs et croyances de façon qu'il savait être, non seulement internationale mais surtout les origines des pratiques réalisées dans indigène Afrique de l'Ouest. Le secret de la grande Art réside dans son honnêteté et son exécution. Ce fut quelques années plus tard et Serge gagnait la renommée de jour en jour et il ne tarda pas à l'occasion de visiter l'Amérique est devenue disponible. Ceci est comme frapper le jackpot pour tout artiste vivant mais plus-donc pour un artiste africain. Il a voyagé de New York sur la côte Est, puis déplacé dans le pays à la mi-Ouest à l'Ohio, puis sur la côte ouest de Los Angeles et San Francisco. Avec toutes ses nouvelles expériences américaines trouvés Serge retourné au Ghana pour un héros bienvenue.

Cette exposition est un spectacle historique. Un spectacle à mi-carrière. Un passage à l'âge, et pas seulement pour cet artiste, mais pour l'Afrique aussi, son travail parle de la perte, de tristesse et de sa vie qui ne sera jamais le même, il semble un peu plus vide que avant que la mère de l'artiste est mort. Il porte ses vêtements et demande aux autres de faire la même manière rituelle, pour que l'Afrique de l'Ouest dans sa naissance, si unique et audacieux cet événement doit être clairement indiqué dans l'histoire de l'art africain. Il répond à beaucoup de questions. Sont les artistes d'Afrique à suivre l'Occident et être clonées dans quelque chose qu'ils ne sont tout simplement pas? Sont-ils tous d'attendre débouchés à l'étranger et seulement alors ils peuvent faire une différence en interne? Le monde est trop conscient de la façon dont les funérailles ont lieu au Ghana. Ils sont énormes événements, où tout le monde est invité et tout part dans le processus de l'enterrement, mais que dire de la douleur, est leur douleur au Ghana? Bien sûr, ils pleurent comme tout le monde, il est une condition humaine de se sentir la perte et ce sens de vide respectueux d'une vie perdue pour toujours.

Le symbole du Ghana est un porteur d'eau en plastique gallon jaune, utilisé d'une manière d'appeler le changement de différents types. A travers ce symbole, nous voyons l'état du Ghana aujourd'hui, pauvres et réduits en esclavage par les riches qui ont de drainage et d'argent robinets avec eau courante. Ils ont des jardins avec des gicleurs et des piscines à l'avant et une seconde piscine à l'arrière aussi. Ils ont d'énormes serviettes d'eau pour desservir la maison; grands générateurs colibris en douceur et en cours d'exécution de l'électricité; antennes paraboliques peuvent être vus dans le jardin, là pour rester à jour avec les nouvelles du monde et Internet de vitesse rapide. Mais tous ces conforts modernes ne sont pas pour tout le monde, uniquement pour l'élite. Les individus cupides qui maintiennent le pays sur ses genoux et favorisent cette société injuste divisée. Quand les gens parlent de l'économie de plus en plus ce que ça change pour les pauvres .... NONE. Ils sont maintenus pauvres pour que l'économie de croître. Ce sera certainement reproduire le ressentiment et la colère dans la majorité et nous avons donc un groupe d'artistes qui peuvent parler en leur nom. Grâce à son international se déplace Serge a appris à quel point puissant art peut être. Travailler collectivement et avec des directives strictes sur certains messages Serge et son équipe sont prêts à mettre en évidence les luttes de ceux qui sont moins fortunés. Les artistes ont trouvé une façon d'avoir une voix qui peut servir les gens et les rendre fiers de se dire les Ghanéens.

Sunday, 17 April 2016

Serge Clottey written by Keilah Wells

Talking Culture with Serge Attukwei Clottey 
written by Keilah Wells
photos by Regual Tschumi 
April 2016

Today begins an ongoing debate about life in Ghana, the first country on the Continent to gain Independence, back in 1957. Spearheaded by the artist, Serge Clottey, along with an entourage of fellow artists from Labadi, Nima and elsewhere in Accra, Gallery 1957 is opening its doors to the public at the Kempinski Hotel Gold Coast City. The aim of the project is to pioneer new ways of seeing Art and the purpose of culture to any society.  Unlike the previous generations of Post Colonial artists from Africa, those that were given scholarships and awards to educate themselves in various European art colleges like the Slade, the Royal Academy, the International Art College or Ecole Beaux Art Superiore in Paris, we are now beginning to see a change like never before. The artists are choosing to turn their backs on the more formal training from the West and preferring to exercise something far more organic, original and home-grown, pulling from every aspect found in their proud indigenous cultures and remaking what is considered art in West Africa as a stamp for the International Art Community to look toward. This is developing a certain shift in the global mindset towards the Continent. There is suddenly a need for a re-education and a greater understanding of the purpose and meaning of Art.  Through a series of unique and authentic installations, works of art and performances, the gallery is setting an impressive standard for others to follows.

Serge Attukwei Clottey has gained international recognition via the Internet and through his travels overseas with his works focusing on the yellow jerry cans, an iconic visual symbol that have become central to his work; these yellow gallon drums are used to bring water to homes of the underprivileged can be seen throughout the poorer neighbourhoods of Accra and becomes his optical metaphor for the underdevelopment of Ghana’s Capital.  Water is at a premium and although considered the most essential human right on earth, in the Accra, tap water in homes is strictly reserved for the wealthy and well-to-do. Good drainage and plumbing throughout the city has yet to be achieved for all. Serge is often regarded as one of the leading lights of his era and within the last few years has effectively developed a new generation of artists from Africa – Generation X but what would his father say to his son, dressing up in his Mother’s clothes and calling it Art?

The turning point in Serge’s artistic development was when he ventured over to Brazil and worked at Belo Horizonte in 2006.  This gave him an insight into what Art could be and he then began to challenge the narrow parameters of what was regarded as Contemporary African Art. Now we begin to see how he bravely took on the mantra from his father Mr Seth Clottey, whose formal, conventional more conservative artworks brought him fame in the years during Independence and beyond.  Although his father’s paintings are highly accomplished works of Art they do tend to favour a Colonial appetite. The idea of creating portraiture, figurative works or landscapes, stretched onto canvases and set in gilded frames seemed a little unadventurous for his fiercely competitive son. Those old-fashioned and outdated works seemed to somehow play into the hands of an oppressed past. They were created on demand and on the basis to be sold. To find a specific market for an invisible dominance that seems to have remained in Ghana since Independence. The young artist felt that his father’s generation were nothing more than Ghanaians copying the West. The culture in West Africa, just like elsewhere on the Continent, is to show your respect for your elders at all times and never to confrontation them. To do so is regarded as being utterly impertinent and rewarded with a handsome beating.  His father, Mr Seth Clottey simply couldn’t understand what on earth he was up to. This tormented father/son relationship was certainly not an easy one and the very idea of creating works out of discarded rubbish was difficult for the older generation to come to terms with and virtually impossible to comprehend. Mr. Seth Clottey was furious with his non-conforming off spring, thinking him rude and disrespectful. It was at this time when I first met Serge, at his poorest and his best. He was at war with himself and all those around him. The two artists young and old were at loggerheads. His father was completely baffled by his son’s antics, thinking he would never make anything of himself playing with the discarded scraps of the city. What kind of livelihood could he make from such efforts? He never for one instance considered what he was doing could possibly be taken seriously and Ghana would end up making fun of his son and ruin the family name, so began the agonizing early years and the beginning of Serge’s artistic endeavours. 

These were the tough days as the hardships Serge faced without financial or emotional support meant he was limited to the materials he could afford and the places he could sleep. Having such little money he found solace in his friends in the impoverished areas of Labadi and Nima, these are some of the poorest neighbourhoods in Accra, but it was here that the banished son found his support. He would assist in the pulling in of the nets for the fishermen in Labadi to earn a decent square meal. He lived in a simple room without running water or electricity, so painting in oil or acrylics was too much to ask, so these limitations became his greatest asset. During the day he became a beach comber looking for any washed up garbage he could use as artistic materials and bind together to create his artworks. The difficulty in the early days was to break that classic mindset of the past, that hangover from Colonialism that Art can only truly be art if it looks like the Art being produced in the West (Europe or America). It took enormous will-power and stubbornness from the young artist that was so determined to make his mark in the world of Art, but thankfully, with the introduction of the Internet and access to a wider world, all his intense thinking was echoed elsewhere. The artist’s true pathway was rising to meet him and the battle for true cultural independence was set.

At first Serge started using far more unconventional methods of creating and more in-line with artists of the past, before the time of the invaders. Using his own interpretation of modern African art Serge quickly showed his skills off by mixing motherboards and electronic innards with brightly coloured plastics with string and rope tied onto plants of wood, which made up his sculptural statements, forging his own unique creations and generating a comprehensive parable for modernity; the idea of technology taking centre stage in this newly shaping metropolitan environment of modern Accra.  At the time things were changing at lightning pace but only for the few and in reality the majority were still very much the same. In the years that followed things became increasingly exciting as Serge became more visible on Social Media where he could display his works, show-off his modelling fashion photographs, his team that were building up around him as he started to document the faces of Labadi and his journeys overseas to Vienna. Here is where his work really started to make more sense and the various international artists that he was introduced to where, by and large wonderfully encouraging and compassionate. His work started to flourish along with his confidence and his performance works became a delight to watch, of a homeless Ghanaian in a European Capital and his primal desire was a tongue-in-check empty television, mocking those from the West and the miserable Africans that seem to make no sense whilst inhabiting the foolish world of unrequited wealth.  Somehow, almost by magic he had found the portal to a world he knew was there but felt he could never reach. The door was beginning to open and through it he could express all his desires and beliefs in ways he knew to be, not only international but more importantly the origins of practices performed within indigenous West Africa. The secret to great Art lies in its honesty and its execution. It was a few years later and Serge was gaining fame by the day and it wasn’t long before an opportunity to tour America became available. This is like hitting the jackpot for any living artist but more-so for an African Artist. He traveled from New York on the East Coast and then moved in land to the Mid-West to Ohio and then onto the West Coast of Los Angeles and San Francisco. With all his new found American experiences Serge returned back to Ghana to a heroes welcome

This exhibition is a landmark show. A mid-career show. A coming of age, not just for this artist but for Africa too, his work speaks of loss, of sadness and his life that will never be the same again, it will seem a little emptier than before as the Artist’s mother has died.  He wears her clothes and asks others to do that same in a ritualistic manner, so West Africa in its birth, so unique and daring this event must be clearly marked in the History of African Art. It answers so many questions. Are the Artists from Africa to follow the West and be cloned into something they simply are not? Are they all to wait for opportunities abroad and only then can they make a difference internally? The world is overly aware of the way in which funerals are conducted in Ghana. They are huge events,  where everybody is invited and all share in the process of the burial but what about the grief, is their grief in Ghana? Of course they grieve like everybody else it is a human condition to feel loss and that sense of respectful emptiness of a life lost forever.

The symbol of Ghana is a yellow gallon plastic water carrier, used in a way to call out change of different kinds. Through this symbol we see the state of Ghana today, poor and enslaved by the rich who have drainage and silver taps with running water. They have gardens with sprinklers and swimming pools in the front and a second pool at the back too. They have huge water towels to service the house; large generators gently humming and running the electricity; satellite dishes can be seen in the garden, there to keep up to date with world news and fast speed internet. But all these mod-cons are not for everybody, purely for the elite. The greedy individuals that keep the country on its knees and favour this divided unfair society. When people talk of the economy growing what difference does it make for the poor....NONE.  They are kept poor in order for the economy to grow. This will surely breed resentment and anger in the majority and so we have a group of artists who can speak on their behalf. Through his International travels Serge has learned just how powerful Art can be.  Working collectively and with strict guidelines on certain messages Serge and his team are keen to highlight the struggles of those less fortunate. The artists have found a way in which to have a voice that can serve the people and make them proud to call themselves Ghanaians.