Friday, 28 August 2015

Abeer Seikaly | Jordanian-Canadian Architect, Designer and Artist

Weaving a one woman can help millions of people globally


A sustainable tent that collects rainwater, folds up for easy transport and stores solar energy? Sounds visionary, right? But this is the invention of Jordanian-Canadian architect, designer and artist Abeer Seikaly.

[IMAGE: Abeer Seikaly]

Seikaly designed these amazing multipurpose tents with refugees in mind, people who have been displaced by global and civil war, climate change and more. 

Inspired by elements of nature such as snake skin and traditional cultural aspects such as weaving, nomadic life and tent dwellings, this weather proof, strong but lightweight and mobile fabric tent gives refugees shelter but also a chance to "weave their lives back together".

The flexible dual layer tent structure has the ability to close out the cold of winter and wet weather. It also opens up to allow cool air in and hot air out in summer. Rainwater is collected in the top of the tent and filters down the sides so the tent does not become flooded. The tent also has the ability to become a showering facility with water being stored in pockets on the side and drawn upwards via a thermosiphoning system providing basic sanitation.

[IMAGE: Abeer Seikaly]

Solar energy hits the tent fabric and is stored in a battery for use at night providing renewable electricity.

[IMAGE: Abeer Seikaly]

For this amazing life changing structure, Seikaly has won the 2013 Lexus Design Award.
These tents also would make excellent shelter for people who have been displaced by natural disasters.

A simple but effective structure which has the potential to change so many lives across the world by providing some of the basic human rights to displaced people: a home, water and energy.

Source: 1 Million Women

Sidy Diallo from Senegal | Death of An Artist

Sidy Diallo at Brundyn

By Themba Tsotsi
04 September - 25 October.

Points et Iténeraire 2 et 1
Sidy Diallo
Points et Iténeraire 2 et 1, 2013. Acrylic and Pastel on Canvas Each: 200 x 150 cm.

From the 4 September to the 25 October 2014, Brundyn+ Gallery hosted Sidy Diallo’s exhibition 'Points et Itineraires'. Sidy Diallo is a painter from Senegal who works in a style that is inspired by lithography, a medium characteristic of many African artists. The exhibition is comprised of images that depict bridges and roads, whose forms seem to implicitly contain the anonymity of transition, and within Diallo's context they are further imbued with political connotations.

The way Diallo explores his interests within the medium has to do with the scale of the work; he incorporates paint and other materials like brown paper making the work multimedia in nature. In his style however, he quotes the traditional use of lithography within an African context which surrounds the issue of access – in this case the simple access to materials like paints and brushes. This of course has broader connotations.

Sidy Diallo
Genese 2014, Acrylic and Pastel on Canvas, Triptych: 133 x 133 cm each

Sidy Diallo distorts both the scale of the images and the canvas; instead of the dots and working surface being small they have been enlarged. In doing this Diallo maintains lithography’s sombre mystery, while at the same time retaining a boldness that evokes within the audience an immediate sense of nostalgia. Their difference, however, also lies in the sense that the images represent the immediacy of the contemporary discourse of forced migrations and exile. Here the large dots add to this effect distorting the image, conveying the anonymity of transition and the certainty of being identified as an exile, referencing a discourse in which the Diaspora lies implicit.

The backgrounds of the paintings are also depicted with dots as if the artist seeks to connect the figures to their circumstance. The large dots and the scale of the work in relation to the traditional themes of the lithograph are an attempt to depoliticize this state of affairs, the effect has a vitality that is contradictory to the plight of these embarcations as if now there is a freedom in them that only youth can realize.

The exhibition explores the underlying reasons for crossing borders in contemporary African society in the wake of phenomena like the slave trade, the diaspora and human trafficking. Throughout the exhibition there is the motif of the road or path, that connotes transitions which both seek to inculcate a form of limbo as well as forms of connecting. However, in the exhibition these paths or roads not only act as metaphors for transition, they are also metaphors for the fact that cultures are not informed by the progress of an encounter. In the case of Diallo’s migrations this is an encounter with diversity, and as a result they become, with the people who represent these cultures, barren as the roads they use to migrate.

La Traversee
Sidy Diallo
La Traversee
Acrylic, pastel and paper on Canvas (4 panel painting)
270 x 270 cm
In Travel Masqued 3 – an acrylic, pastel and paper on canvas piece – a large male figure is walking on a narrow path or road with white hands and feet and appears to be contemplating or lamenting previous migrations. Not only is he connected to those who took this path in the past, he seems through his posture to physically appropriate their struggle. Furthermore the small figures on the edge of the canvas walking on another path, appear to be in an indeterminate state facing different directions. Their presence and disorientation suggests that the figure in the middle of the painting too is lamenting the strife or plight of embarking on the path.

There is, it seems, an almost binary opposition contained within the exhibition. The work E & A is a piece depicting two figures, one male painted brown and grey, the other female painted cream with an apple on the ground. The work seems to state that even though migrations are characterised by a lacking, when a destination is found there are nevertheless fruits to reap, not just in the encounter with diversity but also that the industry of transition can be realized. If there is anything sinister it lies in the treachery of the path, with its promise of fruit and sustenance, which are replete with the ambiguity of an arrival that does not necessarily mean success. However the other paintings in the exhibition are barren of the idea of reward. What the artist seems to suggest is that at the end of the path, an encounter with diversity and creativity is inevitable, but this does not guarantee a holistic success as is connoted by the bitten and discarded apple.

These ideas of success and frailty are brought together with presence of the bridge in the exhibition titled The Crossing. It speaks and is a metaphor for the universal forms of economic struggles, the discourse of innovation and the frailty of community development that can enforce migrations and crossings. In this sense the footbridge becomes the universal image of socio-economic frailty. It is a traditional foot-bridge with ropes and foot planks, extended from one end of the hall to the other – it effectively connects one painting to another.

Source: Artthrob | South Africa 


Sadly this artist died this week.

2 years ago, I was blessed to be introduced by Barkinado Bocoum to a group of young talented and creative artists in Dakar who worked with me and young Brazilian artists during an exchange art project I had initiated. One of these artists was a very kind spirited, creative and promising young man named Sidy Diallo. Sidy was one of Senegal's rising Art stars, as he was being invited to participate in international exhibits and winning awards, notably at Dakar's last biennale. Like the rest of the group (Sol d'Art), I considered Sidy like a young Brother, and it was with great pleasure that I'd catch up with him every time I'd go to Senegal and see where his creativity was taking him.

A few days ago, I learned that Sidy had passed away, and I am still in shock. May his spirit guide the creative youth and souls of our World. I am in spirit with his family and friends. Life is short and we must DO. We must MAKE. Sidy MADE, and he will inspire us forever.

Peace and Beauty.

Décès du plasticien Sidy Diallo :Le jeune peintre au «talent prometteur» est mort

Le monde de la culture pleure encore un des leurs. Sidy Diallo, âgé de 28 ans est décédé samedi. Le «talentueux» lauréat du prix de l’Oif lors de la dernière édition de la Biennale de l’art africain contemporain de Dakar n’est plus. Selon la plateforme des arts visuels du Sénégal présidé par Viyé Diba, Sidy Diallo était l’un des plus talentueux de sa génération. Aujourd’hui, il a rejoint ses pères Pape Ibra Tall et Diatta Seck dans le royaume de la vérité. Le jeune peintre s’était révélé au monde des arts par son talent prometteur.

Major de sa promotion à l’école nationale des arts, avec une mention bien en 2013, il est sélectionné dès sa sortie dans l’exposition officielle de la onzième Biennale de Dakar. «Je me félicite de ce prix, comme j’ai eu à le dire, je viens de sortir de l’école nationale des arts. Aujourd’hui, je me retrouve sélectionné dans la plus grande Biennale africaine, c’est une grande chose dont je suis fière et le tout, je reçois le prix de l’organisation internationale de la Francophonie (Oif)» exprimait-il avec joie à la fin de la cérémonie. L’homme dont le travail consistait à apporter des réponses contemporaines par rapport aux questions de développement contemporaines qui affectent le continent africain est décédé la veille de son anniversaire. Toute l’équipe de Walfnet présente à sa famille ses sincères condoléances.


Wednesday, 26 August 2015

Tuira Kayapo Talks The Truth

Statement from Lucienne Sheyla | Lucienne Sheyla 

Statement from Lucienne Sheyla | Lucienne Sheyla

Tuira Kayapo' is an indigenous Elder Mama Warrior who showed the world what happens when women take charge of their power. She walked into the 1989 Altamira Gathering in Brasil against the construction of Dams in the Xingu, in her war paint, naked and carrying a large machete. She then walked up to the President of Brasil's Light holding Company Petrobras and running the blade of her machete three times over his cheeks, proclaimed his act on her people and on the entire Amazon as an act of war. She then stated in Kayapo':

"You are a liar - We do not need electricity. Electricity is not going to give us our food. We need our rivers to flow freely: our future depends on it. We need our jungles for hunting and gathering. We do not need your dam."

Everyone stood in absolute awe at her audacity, especially the President of Petrobras who looked quite afraid...yet what I see in her is a true example of what Mamas are capable of in their full Power.....

We have ALL become tired of this mess the world is in.... It is Time to reclaim our Truth!! Don't play with our good hearts and intentions...for I know... at least in my case.. I am Pure Love at all times, though my machete is not too far away from my reach.


This is to do with the flooding of her land in order to create electricity. So in order to progress we have to destroy our nature and her people. This is so much more than just land rights, it is to do with life on earth.  

What Tuira Kayapo' is saying, 'progress as much as you like or as much as you need but make sure I and my people can live as nature intended.' 

We need to address this issue yesterday but this it the point of the underdevelopment of the world.

Tuesday, 25 August 2015

Gordon Parks | Renaissance Man

Here is a world renowned photographer, a symphony composer, a writer of 14 books, a poet and a film director - without any formal education Gordon Parks is most certainly a modern day Renaissance man and an inspiration to us all. His life covers the most exciting part of American history; that of the Civil Rights Movement of the 1950 and 60's and he plays a huge part in shaping that story. His compassion for others is so evident and his confidence allowed him to achieve an enormous amount in a life so well lived. Self belief, will power and charisma make an unstoppable combination.

Monday, 10 August 2015

Emmanuel fait France par Joe Pollitt

*N.B. Bing Translate from the English -

Exposition à la Galerie d'Art Beautiful, Vichy.

« Flourism »

Artiste : Emmanuel Kavi du Togo

Dramaturge Arthur Miller, a écrit sa célèbre pièce d'un seul acte, « Incident à Vichy » en 1964, qui observe un groupe d'hommes détenus à Vichy, France. Les hommes sont tous détenus dans une cellule de détention improvisé, en attente de l'inconnu. Ce qu'ils sont détenus pour bientôt devient apparent, leur inspection « raciale » par du Souss gendarmes Vichy et officiers de l'armée allemande pendant la seconde guerre mondiale. La pièce dissèque la véritable nature des êtres humains, en se concentrant sur ce qui a été fait dans la ville et facilité la tyrannie et l'intimidation peuvent dominer la majorité faible. Les thèmes de cette courte pièce de théâtre s'articulent autour des idées de culpabilité, de peur et de complicité et examine comment les Nazis ont pu perpétrer l'Holocauste avec si peu de résistance. 

Avec ce trouble histoire à l'esprit, d'entendre parler d'un homme congolais, Christian Miltoni, a mis en place un établissement soutenant les artistes de l'Afrique au centre était tout à fait remarquable. Je ne pouvais pas attendre de voir l'art et de découvrir de nouvelles oeuvres des artistes francophones. La Galerie a ouvert que récemment en janvier et s'appelle « Beaux Art ». Il s'agit d'un projet ambitieux et l'emplacement est parfait ; en plein coeur de la France. Vichy possède une histoire horrible, et il semble tout à fait approprié qu'un African Gallery doit panser les plaies du passé que cet événement a été crucial. L'importance de l'Afrique dans l'Art n'a pas encore être pleinement réalisés, mais les œuvres ressemblent à des eaux de Vichy ; ils rajeunir, nous garder jeunes car ils sont pleins d'approches philosophiques originales et inventives du sujet. Cela nous rappelle fondamentalement de l'importance de l'Art.

Il était intéressant de voir ceux sur les rues en tenant un tel intérêt dans le travail de Emmanuel et se livrer à des idées que leurs parents auraient trouvé odieux. Les Français sont une nation d'amateurs d'Art et c'est le seul aspect où course n'a pas de barrière et les peintures étaient professionnels et personnels, exposé avec une sensibilité qui est rarement vu dans le flux principal. Le travail a telle force lorsque présentés ensemble et la puissance n'a pas échappée à la population de Vichy. Il était clair que le travail était authentiquement organiques et unique ouest-africain. Les toiles étaient remplis de messages de mythologie et bêtes créatifs, connus et inconnus. C'était un luxe pour voir tel un solo bien construit et organisé.

Two Faced
Nous devons nous demander ce qui est de l'Art africain. Ce qui le rend différent de l'Art européen ? Ce que devrions nous Rechercher ? Nous sommes parfaitement conscients que les deux formes d'Art sont sérieusement mondes. Emmanuel est un pionnier ici et à l'avant-garde en exploitant tout ce qui est bien dans son environnement de creuser la terre à travailler, au tissage de bandes de coton pour compenser ses toiles. Il travaille avec les teinturiers de professionnel en cuir et s'intéresse à tous ceux qui font la couleur naturellement. Il ajoute même des morceaux d'écorce pour créer la texture et profondeur montrant son profond respect pour la nature. Il est réduit et se réduisant à rien ; femmes enceintes de personne et uniquement sur ce qu'il peut trouver autour de lui. Il s'agit de l'absolu polaire en face de le œuvre produite par des artistes dans l'Ouest. Leurs œuvres sont plus produites, créés avec des budgets énormes et construits sur une échelle qui éclipse mentalement le spectateur, laissant le spectateur dans un état d'une fausse impression. Le travail est immense et généralement ne laisse rien à l'imagination. Il est en plastique dans toutes sortes de façons et dépourvu de nourrir l'esprit, alors il est grand temps pour l'Afrique à lever et sortir de l'ombre et jouent un rôle essentiel dans notre façon de penser de nos jours.

Le samedi 4 juillet, je me suis rendu à Claremont par Ryan Air, qui est le pays de Volvic et a ensuite pris un train jusqu'à Vichy, célèbre pour ses eaux pures qui est considérés comme ayant des propriétés saines. Qui s'est tenue au centre était une exposition en milieu de carrière de l'artiste togolais, Emmanuel Kavi. Emmanuel travaille sur divers projets depuis le début des années 1990 et je suis tombé sur son oeuvre à Ouagadougou, Burkina Faso, en 2003. J'avais gardé contact avec Emmanuel mais uniquement via les médias sociaux, j'ai donc été ravi de le rencontrer en personne. Son travail en 2003 a été animé, plein d'espoir et de la vigueur, le type de travail qui peut être créé uniquement dans le confort de l'Afrique. Heureusement, en octobre 2014, Emmanuel a pris la décision de se baser en permanence au Togo et non en France. Il a rapidement rétabli lui-même en se joignant à quatre autres artistes qui, ensemble, travaillent dans un grand studio situé aux abords de la capitale, Lomé. Dans June Emmanuel fièrement m'a invité en France pour voir ses nouvelles œuvres. J'ai été ravie d'être posées et ravie de voir que ses œuvres ont été respirant la même énergie vivace comme avant. Certainement l'un des favoris avec le public Français a été cet ouvrage érotique intitulé « Métamorphose ».

La Galerie a été emballée, l'art est partout ; affichées sur les murs, sur le sol, sur les plateaux et Emmanuel avait rendu ces créatures humanoïdes qui était assis tranquillement sur le rebord de la fenêtre à la vue pour les curieux Français public. Il s'agissait d'expositions africaines plus complets que j'avais vu au cours des années. Il a mis en évidence un artiste à son meilleur et décrit ce que veut dire être en provenance d'un pays où il n'y a aucune des écoles d'Art reconnues, des galeries ou des boutiques d'art même. Il est fascinant d'observer les artistes avec aucun accès à des matériaux tels que ; peintures, toiles, chevalets, pinceaux, alcools blancs et voir ce qui peut être accompli avec le strict minimum. Sur les murs là où les peintures avec des morceaux d'écorce, des noix de Kola concassée qui fait une profondeur impressionnante bleu/violet, il y a preuve de sable et beaucoup de la richesse du sol togolais familier. Dans la fenêtre de la Galerie a été le œuvre plus audacieux que j'ai vu au cours des décennies. Africaine nue « Informel » qui sort une toile. Composé de maille et de la terre rouge, trouvé à l'extérieur de la ville à la campagne...

Dans la fenêtre. Sous les yeux de tous les amateurs d'art Français passant - en plein centre de la France. Vichy de tous les lieux... VICHY ? Ceux qui appellent ces artistes comme, « de Artiste plasticen », ce qu'une phrase vulgaire, typiquement français et essayant de leur mieux pour appuyer les artistes de l'Afrique comme ils l'ont fait les auteurs avec l'expression « Nigritude » - Artiste de Plasticen est une expression utilisée spécifiquement pour les artistes africains et cela veut dire ceux que peinture, sculpter, créer des céramiques, écriture poésie et même danse. Mais si vous deviez demander mais Picasso n'était pas un « Artiste de Plasticen » ? La réponse que vous obtenez est, "Non, période de Picasso est une grande Artiste. » Regardez ce que Emmanuel a fait... l'émergente prêt africaine nue à conquérir le monde de l'art. Qui peut avoir demandé pour en savoir plus ? Tout le spectacle était plein de travail "BOLD", élégant et plein de fraîches nouvelles visions venant de la francophones.

La danse du salon
Il m'a fallu des âges de comprendre, mais je commençais à faire les raccordements et les liens vers la France de l'après-guerre, remontent à une période exaltante in Art History ; « Art Informel » de la France dans les années 1950. Cette période de changement de mer a donné naissance au mouvement « Cobra » ; artistes de Copenhague, Bruxelles et Amsterdam également le mouvement abstrait dans toute l'Europe et avait des liens à l'école de New York de l'expressionnisme abstrait aux USA. Étonnamment, cela va presque en parallèle avec contemporaine francophone Afrique de l'ouest du moment présent. Pour les artistes de devenir international ils devront inévitablement développer un mouvement quelconque, et c'est impératif pour les africains en général. Emmanuel et j'ai parlé de ce paradigme, et il est devenu évident que les artistes avaient déjà inauguré un tel mouvement ; en fait, ils avaient commencé dès le siècle dernier ; à la fin des années 1990. La plupart des artistes sérieux travaillaient avec seulement l'essentiel, préférant rejeter les techniques et les idéaux de l'Occident en faveur de faire avec ce qui était disponible à partir de leur environnement immédiat. De cette façon les artistes gracieusement accepté leur sort et a surmonté les pièges en étant créative inventive. Le groupe n'avait pas vraiment vu eux-mêmes comme autre chose que des artistes individuels, mais ils partagent la même vocation donc ensemble, que Emmanuel et j'ai réglé sur la bien nommée phrase - "Afrique Informel". En établissant ce mouvement les artistes seront assurés une place dans l'histoire et aussi acquièrent les changements nécessaires nécessaires pour être admis dans le monde de l'Art sans l'épouvantable contrôle impérialiste d'une qualification Ouest inutile et indésirable. Le groupe a évolué essentiellement d'une série de Français parlant des artistes ouest-africains : Emmanuel Kavi, Kossi Ankude « Laka », Papisco Kudzi et Sokey Edorh de Lome, Togo ; Soly Cissé et N'Dary Lo du Sénégal : Suzanne Ouedraogo et Sama de Ouaga, Burkina Faso ; Ernest Duku de Côte d'Ivoire et Charly Almeida et Romuald Hazoumé de Cotonou (Bénin). Tous ces artistes sont réduisant leurs palettes et travaillant avec l'essentiel. Ils utilisent des teintures naturelles comme des pigments, la terre rouge, des objets métalliques mis au rebut pour les sculptures et même les écorces des arbres sur des toiles à la main afin d'ajouter de la texture, mais je m'égare ; concentrons-nous dans sur le travail à portée de main. Retour à la Galerie...


En parcourant l'exposition l'art était presque insupportable et puis dans le dos était une chambre de petite case, the cosy léger et chaud mais le travail était en contradiction ; il était plein de rayures, les marques de griffes de frustration et de passion. La salle était remplie d'éléments de brindilles de signification tissée attachés au matériel collé et repeintes. L'accumulation d'un cri qui apparaissent au sein du centre de la toile ; un visage en essayant d'être entendu ou même transmettre l'éventualité d'une attaque subtile sur un public fragile.

Sur une des étagères, à côté de l'entrée de la salle du fond tranquillement perché un relativement petit ouvrage que beaucoup peuvent même être laissé de côté. L'oeuvre était presque dans l'obscurité et certainement éclipsé par les travaux les plus importants assez impressionnant, mais rien entre le solo beaucoup et debout avec un air confiant, « Abreuvoir », remarquablement ressemblant à une exposition de son propre. Ce travail m'a vraiment touché au noyau tellement alors qu'il semblait me parler de façons je n'ai pas entendu ou senti avant. Il a dit, ' je suis une peinture de la grotte, je suis primitif et fier. Je n'ai rien et personne à craindre car je fais partie de la primitive, honte de mes faiblesses, ma nudité, mon crudité, ma capacité à chasser et tuer pour ma famille si nécessaire. Maintenant, dans un temps où tous veulent plus développer et le progrès, qu'il est essentiel que nous entendons les contre-arguments posent par les artistes qui pensent que si les peintures rupestres sont toujours d'une importance telle et les gendarmes, Stubbs et même Théodore Géricault sont secondaires à l'art rupestre il est logique de respecter les origines de l'humanité et l'écho de leurs idées sur des toiles à la main. Ce sont les voix qui représentent les valeurs partagées par la majorité des personnes pensant.

Dialogue du corps
L'art était forte et a évoqué le sens et l'esprit de l'idée de le « Altérité ». Cette connaissance secrète du spirituel et de l'inconnu ; public occidental les choses sont un peu effrayés de. La peur inexprimée et incontrôlable de l'imprévisibilité de l'Afrique noire. Travaux comme ceux-ci n'est pas considérées dans le courant dominant, car ils sont vraiment africains avec ce sens unique de l'indépendance et de la rébellion qui l'établissement tente désespérément de garder un couvercle sur. Ces œuvres sont pleines de talent naturel, brut et indomptable, ils sont parmi les meilleurs jamais jamais vu de travaux. Ils méritent leur propre classement et un mouvement d'être né en d'eux. Ils sont loin d'être tiède et essentiel pour notre réflexion internationale progressive sur la série surdéveloppée du meilleur de l'art africain.

Le garçon dans le coin le plus proche de nous est à pleurer lorsqu'il lit le journal.

En quelque sorte le calendrier de ce mouvement semble parfait. Retour dans les années 1980, Jean-Michel Basquiat a rejoint amis qu'il avait rencontré à New York de Côte d'Ivoire et voulait mettre en place le monde de la créativité trouvée en Afrique, en particulier les travaux en cours de création par africains de l'Ouest Francophone. Il a été bloqué, arrêté dans cet élan et ridiculisé par les médias. Malheureusement, cette jeune artiste talentueux tragiquement décédé d'une surdose en 1988 seulement de 27 ans, et sa vision pour l'Afrique n'a jamais réalisée. Depuis ce temps, the Art World n'a pris aucun risque. Les meilleurs artistes ne sont pas célébrés ou applaudi et une commercialisation totale de l'art a pris forme depuis la disparition de Basquiat. Le marché s'est alignée sur le grossier « nouveau riche », donc l'Art africain est un changement bien accueilli. Aujourd'hui, les africains contemporains sont observés, entendue et respectée. Grâce à la technologie et les médias sociaux, les artistes sont beaucoup plus visibles que jamais auparavant. Ces œuvres d'art originales et autochtones sont le parfait antidote optimiste pour renverser l'arène bestiale de la vulgarité opulente qui est the Art World.

Emmanuel Kavi Does France by Joe Pollitt


Exhibition at Beautiful Art Gallery, Vichy.
Artist: Emmanuel Kavi from Togo

Playwright Arthur Miller, wrote his famous one act play, "Incident at Vichy" in 1964, which observes a group of men detained in Vichy, France. The men are all held in a makeshift detention cell, awaiting the unknown. What they are being held for soon becomes apparent, their “racial inspection” by the gendarmes sous Vichy and officers of the German army during the Second World War. The play dissects the true nature of human-beings, focusing on what has been done in the town and how easy tyranny and intimidation can dominate the weak majority. The themes of this short Play revolve around the ideas of guilt, fear and complicity and examines how the Nazis were able to perpetrate the Holocaust with so little resistance. 

With this troubled history in mind, to hear of a Congolese man, Christian Miltoni, had set up an establishment supporting the artists of Africa in the centre was quite remarkable. I could not wait to see the art and discover new works by the francophone artists. The gallery has only recently opened in January and is called, “Beautiful Art”. This is an ambitious project and the location is perfect; right in the heart of France. Vichy has an ugly history and it seems only fitting that an African Gallery should heal the wounds of the past this event was crucial. The importance of Africa in Art has yet to be fully realized but the works are similar to the Vichy waters; they rejuvenate, keep us young as they are full of original and inventive philosophical approaches to the subject. This fundamentally reminds us of the importance of Art.

It was interesting to see those on the streets taking such an interest in Emmanuel's work and engaging in ideas their parents would have found abhorrent. The French are a nation of Art Lovers and this is the one aspect where race has not barrier and the paintings were professional and personal, exhibited with a sensitivity that is rarely seen in the main stream. 
The work has such strength when shown together and the potency was not lost on the Vichy public. It was clear that the work was authentically organic and uniquely West African. The canvases were filled with messages of mythology and creative beasts, known and unknown. It was a luxury to see such a well constructed and curated solo show.

Two Faced
We must ask ourselves what is African Art?    What makes it different from European Art? What should we be looking for? We are acutely aware that the two forms of Art are seriously worlds apart. Emmanuel is a pioneer here and leading the way by harnessing all that is good in his environment from digging the land to work with, to weaving strips of cotton to make up his canvases. He works with professional leather dyers and has an interest in all those that make colour naturally. He even adds pieces of bark to create texture and depth showing his deep respect for nature. He is reducing and reducing himself down to nothing; expectant of nobody and reliant only on what he can find around him. This is the absolute polar opposite of the work being produced by artists in the West. Their works are over produced, created with huge budgets and constructed on a scale that mentally dwarfs the onlooker, leaving the audience in a state of a false impression. The work is overwhelming and generally leaves nothing for the imagination. It is plastic in all kinds of ways and devoid of feeding the mind so it high time for Africa to rise and come out of the shadows and play a pivotal role in our present day thinking.

On Saturday, July 4, I journeyed to Claremont by Ryan Air, which is Volvic country and then took a train up to Vichy, famed for its pure waters that are thought to have healthy properties. Held in the centre was a Mid-Career Exhibition by the Togolese artist, Emmanuel Kavi. Emmanuel has been working on various projects since the early 1990s and I stumbled across his artwork in Ouagadougou, Burkina Faso, back in 2003. I had kept in contact with Emmanuel but only via social media, so I was overjoyed to meet him in person. His work in 2003 was lively, full of hope and vigour, the type of work that can only be created within the comfort of Africa. Thankfully, in October 2014, Emmanuel made the decision to base himself permanently in Togo rather than France. He quickly re-established himself by joining four other artists who, together, work in a large studio located just outside the capital, Lome. In June Emmanuel proudly invited me to France to see his new works. I was thrilled to be asked and delighted to see that his works were breathing the same perennial energy as before. Certainly one of the favourites with the French audience was this erotic work entitled "Metamorphose".

The gallery was packed, the art was everywhere; displayed on the walls, on the floor, on shelves and Emmanuel had made these humanoid creatures that calmly sat on the windowsill in full view for the curious French public. This was the most comprehensive African exhibitions I’d seen in years. It highlighted an artist at his best and outlined what it means to be from a country where there are no recognised Art Colleges, galleries or even art shops. It is fascinating to watch artists with absolutely no access to materials like; paints, canvases, easels, brushes, white spirits and see what can be achieved with the bare minimum. On the walls there where paintings with pieces of bark, crushed cola nuts which made an impressive deep blue/purple, there was evidence of sand and plenty of the familiar rich Togolese soil. In the window of the gallery was the boldest piece of work I have seen in decades. An “Informel” naked African coming out of a canvas. Made up of mesh and the red earth found outside the city in the countryside.. 

In the window. In full view of all the passing French art lovers - Right in the centre of France. Vichy of all places..VICHY? Those that refer to these artists as,"Artiste de plasticen", what a vulgar phrase, typically french and trying their best to push the artists of Africa down like they did the writers with the phrase "Nigritude" - Artiste de Plasticen is a phrase specifically used for African artists and it means those that paint, sculpt, create ceramics, write poetry and even dance. But if you were to ask but was Picasso not an “Artiste de Plasticen”? The answer you would get is, "Non, Picasso est une grande Artiste period." Look what Emmanuel has done...the emerging naked African ready to take on the art world. Who can have asked for more? The whole show was full of bold work, stylish and full of fresh new visions coming from the francophones.

La danse du salon

It took me ages to understand but I was beginning to make the connections and links to post-war France, back to an exhilarating period in Art History; France’s “Art Informel” in the 1950s. This sea-changing period gave rise to the “Cobra Movement”; artists from Copenhagen, Brussels and Amsterdam also the abstract movement throughout Europe and had links to the NY School of abstract expressionism in the USA. Surprisingly, this runs virtually in parallel with Contemporary francophone West Africa of now. For the artists to become international they will inevitably have to develop a movement of some kind and this is imperative for the Africans in general. Emmanuel and I spoke about this paradigm and it became evident that the artists had already inaugurated such a Movement; in fact they had started as far back as the last century; in the late 1990’s. Most of the serious artists were working with only the essentials, preferring to reject the techniques and ideals of the West in favour of making do with what was available from their immediate surroundings. This way the artists graciously accepted their fate and overcame the pitfalls by being creatively inventive. The Group hadn’t really seen themselves as anything other than individual artists but they share the same vocation so together Emmanuel and I settled on the aptly named phrase - “Afrique Informel”. In establishing this Movement the artists will be assured a place in history and also acquire the necessary changes needed in order to be accepted into the World of Art without the dreadful Imperialistic oversight of an unnecessary and unwanted Western qualification. The Group has essentially evolved from a series of French speaking West African artists: Emmanuel Kavi, Kossi Ankude “Laka”, Papisco Kudzi and Sokey Edorh from Lome, Togo; Soly Cisse and N’Dary Lo from Senegal: Suzanne Ouedraogo, and Sama from Ouaga, Burkina Faso; Ernest Duku from Cote D’Ivoire and Charly D’Almeida and Romuald Hazoume from Cotonou, Benin. All these artists are reducing their palettes and working with the essentials. They use natural dyes as pigments, the red soil, discarded metallic objects for sculptures and even the barks of the trees on handmade canvases in order to add texture but I digress; let us focus in on the work at hand. Back to the gallery....

In walking through the exhibition the art was almost overpowering and then in the back was a small box room, the light cozy and warm but the work was in stark contrast; it was full of scratches, claw marks of frustration and passion. The room was filled with items of significance woven twigs attached to material glued and painted over. The build up of a scream appearing within the centre of the canvas; a face trying to be heard or even transmitting the possibility of a subtle attack on a fragile audience.

On one of the shelves, next to the entrance to the back room quietly perched a relatively small work that many may even have overlooked. The artwork was almost in darkness and certainly overshadowed by rather impressive larger works, but there among the many and standing solo with an air of confidence,  was "Abreuvoir", looking remarkably like a exhibition of it's own. This work really touched me to the core so much so that it seemed to speak to me in ways I haven't heard or felt before. It said, 'I am a cave painting, I am primitive and proud. I have nothing and nobody to fear for I am part of the primitive, unashamed of my shortcomings, my crudeness, my nakedness, my ability to hunt and kill for my family if need be. Now in a time when all want to over develop and progress it is essential that we hear the counter arguments posed by artists who are thinking that if the cave paintings are still of such importance and the Constables, Stubbs and even Théodore Géricault are secondary to the rock art it only makes sense to respect the origins of mankind and echo their ideas on handmade canvases. These are the  voices that represent values held by the majority of  those thinking.

Dialogue du corps

The art was strong and evoked the sense and spirit of the idea of "Otherness". That secret knowledge of the spiritual and the unknown; things Western audiences are slightly frightened of. The unspoken and uncontrollable fear of the unpredictability of darkest Africa. Works like these are not seen in the mainstream as they are truly African with that unique sense of independence and rebellion that the establishment desperately tries to keep a lid on. These works are full of natural, raw and untamable talent, they are some of the best never seen works ever. They deserve their own classification and a movement to be born out from them. They are far from tepid and essential for our progressive international thinking on the overdeveloped series of the best of African art.

The boy in the corner nearest to us is crying as he reads the newspaper.

Somehow the timing of this Movement seems perfect. Back in the 1980’s Jean-Michel Basquiat joined friends he had met in NYC from Cote D’Ivoire and wanted to introduce the world to the creativity found in Africa, especially the work being created by Francophone West Africans. He was blocked, stopped in this tracks and ridiculed by the Media. Sadly, this young talented artist tragically died of an overdose in 1988 aged only 27 and his vision for Africa was never realized.  Since that time the Art World has not taken any risks. The best artists are not being celebrated or applauded and a total commercialization of art has taken shape since Basquiat’s demise. The market has aligned itself with the uncouth 'nouveau riche', so African Art is a welcomed change. Today, the Contemporary Africans are being seen, heard and respected. Thanks to technology and social media the artists are far more visible than ever before. These original and indigenous artworks are the perfect optimistic antidote to overthrow the beastly arena of the opulent vulgarity that is the Art World.